CANADIAN JOURNAL OF FILM STUDIES /

REVUE CANADIENNE D'ÉTUDES CINÉMATOGRAPHIQUES

Volume 5, No. 2 Abstracts / Résumés

Brenda Longfellow, Globalization and National Identity in Canadian Film

This paper proposes that existing definitions of national identity in Canadian film have been contested by current globalization trends. Taking a close textual look at three very symptomatic films: Black Robe, I Love a Man in Uniform and Calendar, the paper argues that in each, the economic conditions of production, institutional sites, modes of address and discrete discursive worlds represent three very different responses to the exigencies and realities of globalization within the Canadian context.

Ce texte propose que les tendances actuelles de globalisation contestent les definitions courantes de l'identité nationale du cinéma canadien. En examinant de près par une analyse textuelle symptomatique Black Robe, I Love a Man in Uniform et Calendar, ce texte suggère que, dans chaque film, les conditions économiques de production, les sites institutionnels, les modes de discours ainsi que les univers discursifs de chaque représentent trois différents types de réponse devant les exigences et réalités de la globalisation dans le contexte canadien.

André Loiselle, Cinema, Theatre and Red Gushing Blood in Jean Beaudin's Being at Home With Claude

The cinematographic adaptation of the stage play Being at Home with Claude by René-Daniel Dubois begins with a prologue, shot in black and white, which shows the events preceding the original drama. This prologue, completely devised by the filmmaker Jean Beaudin has several functions, one of which is to provide the background for the police interrogation that constitutes the text of Dubois' stage play. Besides its informational function, this preface illustrates in a subtle way--and especially through the brief use of colour to represent the gushing blood--the adaptation process of the stage to the screen. By analizing the connections between the original text, the film as a whole and its prologue, in regards to the chromatic and visual elements used by Beaudin to bring the play to the screen, this article attempts to place a reading of Being at Home with Claude within comparative theories of cinema and theater.

L'adaptation cinématographique de la pièce de thé‰tre Being at Home with Claude, de René-Daniel Dubois, débute avec un prologue en noir et blanc qui nous montre les antécédents du drame original. Ce prologue, créé de toutes pièces par le cinéaste Jean Beaudin, a plusieurs fonctions, dont celle de fournir certaines données sur le meurtre qui précède l'interrogatoire constituant l'ensemble du texte de Dubois. Mais au delà de son rôle informationnel, cette préface illustre aussi de faon subtile, surtout par son utilisation très brève de la couleur pour représenter le sang qui gicle, le processus d'adaptation auquel la pièce a été soumise. En analysant les rapports qui existent entre le texte original, le film dans son ensemble et le prologue, en particulier au niveau des signifiants chromatiques et des modes de visualisation empruntés par Beaudin pour cinématiser le propos de la pièce, cet article tente d'offrir une lecture de Being at Home with Claude qui situe l'oeuvre dans le contexte de certaines théories comparatives du cinéma et du thé‰tre.

Jean Bruce, Querying or 'Queering' the Nation: The Lesbian Postmodern and Canadian Women's Cinema

The elusive notion of identity, and its location in the imaginary of the Canadian cultural landscape, is the subject of many Canadian films. For the purposes of exploring this rather ephemeral notion vis à vis lesbian sexuality, and in order to provide something of an historical dimension to the project, this paper examines La vie revée (Mireille Dansereau, 1972), and Forbidden Love (Aerlyn Weissman and Lynne Fernie, 1992). The appropriation of the term "the lesbian postmodern" is a way to scrutinize films as cultural documents of both aesthetic and political dimensions, and to explore whether there could be a connection between certain kinds of "unruly" contexts and spectators, that is, to query the potential queerness of the films and their spectatorial contexts.

La notion fugitive de l'identité et son "inscription" dans l'imaginaire du paysage culturel canadien forme la trame de nombreux films canadiens. Afin d'explorer cette notion ephémère à travers la sexualité lesbienne et aussi afin de présenter un fond historique au projet, ce texte traite de La vie revée (Mireille Dansereau, 1972), and Forbidden Love (Aerlyn Weissman and Lynne Fernie, 1992). L'utilisation du terme "le postmoderne lesbien" permer de scruter ces films en tant que documents culturels ayant une dimension politique et esthétique. Le texte explore les rapports entre certains contextes "indisciplinés" et leurs spectatrices--en d'autres mots, questionne l'abérration potentielle des films et leurs contextes spectatoriels.

Angela Stukator, Hags, Nags, Witches and Crones: Reframing Age in The Company of Strangers

Cynthia Scott's The Company of Strangers (Canada, 1990) is a disquisition on female aging, personal histories, memory, life and death, and the coexistence of past and present. This article briefly considers dominant representations of old women and the aged body, decoding the specific moral and political meanings attached to them. It then suggests how The Company of Strangers intermixes documentary and fiction to carve out a space for old women who refuse to become invisible in our culture. The film attends to the distinctive qualities within and between the women, and the commonality amongst them, without allowing the points of connection to suggest the group constitutes a stable category of old women or that they attest to a terminal point of subjectivity. What is at stake is changing the face of age to unleash the potentially radical female subjectivity of unruly old women.

Le film de Cynthia Scott The Company of Strangers (Canada, 1990) est un réquisitoire sur le vieillissement des femmes, leurs histoires personnelles, la mémoire, la vie et la mort, et la coexistence du passé et du présent. Le texte examine les représentations dominantes des vieilles et des corps vieillissants et décode les sens moraux et politiques qui s'y rattachent. Le texte démontre comment The Company of Strangers fusionne le documentaire et la fiction pour y établir un espace dans notre culture oú les vieilles femmes refusent de devenir invisibles. Le film examine les qualités distinctes de chacunes de ces femmes et entre elles, ainsi que ce qu'elles ont partagent, sans vouloir proposer ni critique de la vieille femme en temps que catégorie, ni l'attestation d'un point final de la subjectivité. Plutôt, il s'agit de changer le visage de l'âge afin de libérer le potentiel radical de la subjectivité féminine des ces vieilles irréductibles.

Scott Mackenzie, Société nouvelle: The Challenge for Change in the Alternative Public Sphere

This paper seeks to examine the often contradictory relationship between Société nouvelle and working class community organizations in the Montréal area. Drawing on recent arguments concerning the nature of the alternative public sphere proposed by Miriam Hansen, Alexander Kluge, Oskar Negt and Nancy Fraser, the paper examines the new notions of "communities" and "publics" that developed around the image-making processes of the Société nouvelle program. Further, the paper examines how, in part because of their reliance on and investment in the image's ability to transform culture on its own, the film- and video-makers involved were eventually unable to build the kinds of communities they envisioned as central to an egalitarian, social-democratic Québec.

Ce texte examine les rapports souvents contradictoires entre Société nouvelle et les organismes communautaires de la classe ouvrière dans la région montréalaise. Se basant sur une argumentation concernant la sphère publique alternative avancée par Miriam Hansen, Alexander Kluge, Oskar Negt et Nancy Fraser, cet article fait ressortir les nouvelles conceptions de "communautés" et de "publiques" développées autour du processus de fabrication d'images du programme Société Nouvelle. De plus, cet article propose comment, en se fiant sur la capacité de l'image de transformer la culture par elle mme, les ciné-et-vidéoistes de l'époque furent incapables de créer les communautés qu'ils envisageaient comme essentiels ‡ un Québec égalitaire et social-démocrate.

Dave Douglas, Exile on Hastings & Main Street: The Vancouver Films of Larry Kent

Between 1963 and 1965 Larry Kent independently produced three feature films in Vancouver. Though a novice to the cinema, Kent quickly established himself as an important director in the 1960's. This essay examines Kent's first three films which demonstrate the director's distance from what Piers Handling refers to as the realism tradition in Canadian cinema. In contrast to this tradition, Kent's films offer subjective portraits of individuals in conflict with societal expectations. An innovative director, Kent garnered both praise and severe criticism for his social dramas. With his success across the country, Kent is an important figure in the development of university-based film production in the mid-1960's,

Entre 1963 et 1965 Larry Kent a indépendement produit trois longs métrages ‡ Vancouver et il s'est établit rapidement, malgré son manque d'expérience en réalisation, comme un directeur important des années soixante. Cet article examine les trois premiers films de ce réalisateur pour démontrer, ce que Piers Handling a qualifié comme un départ de la tradition réaliste du cinéma canadien. En contraste avec cette tradition, les films de Kent offrent un portrait subjectif des individus en conflict avec les expectations sociales. En tant qu'innovateur, Kent a été loué ou décrie pour ses drames sociaux, et il est devenu, par son succès à travers le pays, une personnalité importante dans le développement d'une production cinématographique appuyée par le milieu universitaire.

Christopher Gittings, Alterity and Nation: Screening Race, Sex, Gender and Ethnicity in Back to God's Country

One of Canada's earliest and most successful extant features, Back to God's Country offers a disturbing, yet fascinating cultural construction of Canadian nation as a white homosocial entity that does violence to racial and sexual otherness. Previous criticism privileges the history of the film's production and its important and innovative contributions to the animal picture genre. This paper considers the film's production of nation in the context of screen writer Nell Shipman's resistance to director-writer James Oliver Curwood's American vision of Canada, and reads the film through the frames of sex, gender, race and ethnicity.

Un des plus vieux long-métrages canadiens toujours en circulation, Back to God's Country présente un imaginaire culturel dérourant mais fascinant de la nation canadienne en tant qu'une entité homosociale de race blanche qui violente l'alterité raciale et sexuelle. La critique établie à privilégiée l'histoire de la production du film ainsi que ses contributions innovatrices et importantes dans le cadre du genre des films sur les animaux. Ce texte examine comment le film "produit" la notion de nation dans le context de l'opposition de la scénariste Nell Shipman à la vision américanisante du Canada du réalisateur et écrivain James Oliver Curwood, et offre une lecture du film par le biais de perspectives sur la sexualité, le racisme et l'ethnicité.