CANADIAN JOURNAL OF FILM STUDIES /
REVUE CANADIENNE D'ÉTUDES CINÉMATOGRAPHIQUES
Volume 6, No. 1 Abstracts / Résumés
Laurence Alfonsi: La réception de François Truffaut aux Etats-Unis: Les conditions de sa popularité
L'oeuvre de François Truffaut a bénéficié d'une popularité exceptionnelle ... l'étranger et en particulier aux Etats-Unis. Sa popularité témoigne de l'originalité et de la complexité du cinéma truffaldien. Mais, pour comprendre l'impact de l'oeuvre de Truffaut, il ne faut pas se contenter de constater la popularité du cinéaste mais analyser la nature et l'évolution de cette popularité. Ce texte examine l'impact de Truffaut aux Etats-Unis à l'aide de trois étapes argumentatives. La première analyse l'exploitation des films de Truffaut aux Etats-Unis. La seconde partie montre comment la critique américaine érige en tant que repère le propre style de Truffaut. La troisième partie précise la seconde, grâce à l'étude de la confrontation entre les films de Truffaut et le cinéma américain.
The films of François Truffaut enjoy exceptional popularity outside of France especially in the United States. Such popularity bears witness to the originality and complexity of his work. But to understand the full impact of Truffaut's cinema it is necessary to go beyond the simple acknowledgement of this popularity and analyze its nature and evolution. This article examines the signifiance of Truffaut in the United States through a three part argument. The first part studies the usage of Truffaut's films in the United States. The second shows how American critics construct Truffaut's own style as a point of reference. The third part builds on the second by contrasting Truffaut's films and American cinema.
Janina Falkowska: American and European Voices in the Films of European Filmmakers Wim Wenders, Percy Adlon and Aki Kaurismäki
The main focus of this paper is the analysis of the double-voiced discourse in Paris, Texas (1984), Bagdad Café (1987) and Leningrad Cowboys Go America (1989) by Wim Wenders, Percy Adlon and Aki Kaurismäki, respectively. The European and American voices in these films create a double-voiced discourse not only through the films' diegetic content, but also through the manner of presentation. This article considers the ways in which American and European voices are manifested through techniques of presentation and the construction of the cinematic language which together create an effect of hybridization and multivoicedness.
Cet article traite de la notion de "discours á double voix" dans les films Paris, Texas (1984), Bagdad Cafe (1987) et Leningrad Cowboys Go to America (1989.) Les discours européens et américains dans ces oeuvres constituent une "double voix" non seulement au niveau de la diégèse des films mais aussi par l'intermédiaire de modes de présentation particuliers. Cet article examine les procédés par lesquels les voix européennes et américaines se manifestent par les techniques de présentation et la construction du langage cinématographique créant un effet hybride et multivocal.
Jennifer Henderson, Hose Stalking: Heavenly Creatures as Feminist Horror
This essay uses the designation "feminist horror" to refer to the historically-specific mode of address of Heavenly Creatures. The first section argues that the film has an allegorical significance in relation to a current rupture between feminist and lesbian discourses and identities, a rupture in which outlaw daughters are reacting against the prohibitions of feminism introjected as a kind of symbolic Mother. Heavenly Creatures works its horror on the feminist caught in a contradiction as lesbianism reconstitutes itself in a transgressive relation to the figure of the mother. The next section argues that, as an allegory of this discursive rupture, Heavenly Creatures complicates the variables, first by denying lesbian desire any a priori status and second, by giving the symbolic Mother a material specificity. In its representation of the 1954 matricide, Pauline Parker's "lesbian" desire is inseparable from her class envy and her mother is not simply a representative of repressive law but an abject working-class woman for whom we are encouraged to have sympathy. The final section of the essay reads the complex sedimentation of the matricide in the murder fantasy which prefigures its. The fantasy implicates spectators in the murderous aggression of Pauline and Juliet, but its aggression is ultimately robbed of any liberatory significance.
Cet article utilise le terme "horreur féministe" pour faire rérérence á la spécificité historique des modalités d'interpellation du film Heavenly Creatures. La première partie suggère que le film exprime allégoriquement la rupture actuelle entre les identités et discours féministes et lesbiens incarnée par la réaction des jeunes filles contre l'interdiction du féminisme apparaîssant sous la forme d'introjection personnifiée par une Mère symbolique. L'horreur de Heavenly Creatures repose sur la contradiction féministe d'un lesbianisme qui se reconstitue en relation transgressive face á la Mère. La deuxième partie démontre que l'allégorie de la rupture discursive est complexifiée par la négation de l'apriorisme du désir lesbien et par la spécificité matérielle accordée á la Mère symbolique. Le désir lesbien de Pauline Parker, tel que représenté sous la forme d'un matricide commis en 1954, est indissociable du désir de gravir les classes sociales. Sa mère n'est pas simplement la représentante de la loi répressive, mais symbolise aussi la mère prolétaire abjecte avec laquelle le spectateur devrait sympathiser. La dernière partie analyse la sédimentation complexe du matricide dans le fantasme meurtrier qui le préfigure. Le fantasme implique le spectateur dans l'agression criminelle commise par Pauline et Juliet, mais cette agression est dépourvue d'effet libérateur.
Joanne Hershfield: Women's Pictures: Identity and Representation in Recent Mexican Cinema
This essay looks at three recent film by Mexican woman directors that reconsider the ways in which the classical Mexican cinema reproduced the archetypal figures portraying women as either virtuous and suffering mothers, seduced and abandoned young girls, or mala mujeres (bad women). The essay claims that while films directed by women cannot be categorically marked as "feminist films," they do need to be situated within contexts of women's material relation to reality and to gendered identities complicated by racial, religious, and/or class divisions.
Cet article examine trois films produits récemment par des réalisatrices mexicaines qui remettent en question la façon dont le cinéma classique mexicain représente la femme par l'intermédiaire de figures archétypes tels que les mères vertueuses et victimes, les jeunes filles séduites et abandonnées, et las malas mujeres (méchantes femmes.) L'article suggère que, même si tous les films réalisés par des femmes ne peuvent être catégoriquement qualifiées de "féministes", il est necessaire de les situer á l'intérieur d'un contexte qui tient compte des rapports matériels que les femmes entretiennent avec les notions d'identités sexuelles, de race, de religion et de classes sociales.
Maaret Koskinen, "Everything Represents, Nothing Is": Some Relations Between Ingmar Bergman's Films and Theatre Productions
All through his long career, Ingmar Bergman has worked alternatively in the film and the theatre. There is therefore good reason to believe that this exchange has worked in mutually beneficial ways. This paper argues that if Bergman's films are regarded in the light of his work in theatre, it is possible to extract new insights from such aspects in them that hitherto have been discussed exclusively in cinematic terms; and conversely, that new insights may be extracted from certain formal and stylistic aspects of his work in the theatre when regarding them in the light of his films.
Étant donné que, pendant toute sa carrière, Ingmar Bergman a travaillé á la fois au théâtre et au cinéma, il est plus probable que ces deux pratiques se soient réciproquement influencées de façon bénéfique. Cet article démontre que, si l'on examine les films de Bergman á la lumière de ses oeuvres théâtrales, certaines interprétations qui échappent á l'analyse strictement cinématographique deviennent possibles. De la même façon, certains aspects formels et stylistiques de son corpus dramatique et théâtral peuvent être mieux compris si l'on étudie la filmographie du cinéaste.
Priscilla L. Walton, A Slippage of Masks: Dis-Guising Catwoman in Batman Returns
Through an analysis of Tim Burton's Batman Returns, this essay examines the ways in which the film incorporates many of the concerns that have underscored feminist theory over the past decade. A postmodern pastiche of sutured subjectivity and performative masquerade, Batman Returns, through its representation of Catwoman, provides for an examination of the problematics of anti-essentialist and essentialist feminist theory, and demonstrates the dangers inherent in each when divested of the concerns of the other. Focussing on the (re-)construction of Catwoman, this article analyses the film as a field of contradictory negotiations.
Ce texte analyse la manière dont le film Batman Returns dy réalisateur américan Tim Burton fait usage des préoccupations majeures de la théorie féministe des dix dernières années. A travers la représentation de "Catwoman", le film, un pastiche postmoderne de subjectivités suturées et de masquerades performatives, permet d'examiner les problématiques essentialiste et anti-essentialiste de la théorie féministe, et souligne les risques de chaque prise de position quan l'une ignore les préoccupations de l'autre. En examinant la reconstruction du personnage de "Catwoman", le texte permet de mieux saisir le film lui-même en tant que champ de negotiation contradictoire.