Abstract: This essay analyzes how conditions specific to Ottawa between 1894 and 1896, and its particular configurations of commercial entertainment, electrification, and urban expansion, coloured its citizens’ reception of motion pictures. Tracing the arrival of Edison’s Kinetoscope, the presentation of illuminated spectacles at the 1895 Winter Carnival, and the role of streetcar and land development companies in the exhibition of motion pictures, this examination also sheds light on the translocal context of motion pictures, in which internationally circulating technologies and entertainments shifted and transformed through contact with local influences. In doing so, this essay argues that an analysis of the cinema’s intermedial position in a modern, urban, and Canadian setting may lead to new ways of conceptualizing Canadian film culture, and the strategies involved in interpreting its history.

Résumé: Cet essai analyse la façon dont certaines conditions spécifiques à Ottawa, entre 1894 et 1896, combinés à la configuration particulière du divertissement commercial, de l’électrification et de l’expansion urbaine, ont coloré la réception du cinéma par ses citoyens. Retraçant l’arrivée du Kinétoscope Edison, la présentation de spectacles illuminés au carnaval d’hiver de 1895, le rôle de l’automobile et des entreprises d’expansion urbaine dans la diffusion des vues animées, l’examen met en lumière le contexte de développement du cinéma par lequel des technologies et des formes de divertissement répandues partout dans le monde se sont transformées au contact d’influences locales. Cet essai considère l’analyse de la position « intermédiale » du cinéma comme une nouvelle façon de conceptualiser tant la culture cinématographique canadienne que les stratégies impliquées dans l’interprétation de son histoire.

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Abstract: RottenTomatoes.com is a film review site that aggregates reviews from various journalistic and non-professional sources, offering a comprehensive resource for casual users as well as an online community of film buffs. This paper considers how Rotten Tomatoes functions as an example of online film criticism within the context of a field of popular cultural production. Rotten Tomatoes is situated within the enterprise of film criticism, as well as the global networks of media conglomerates. I argue that the commercial underpinnings of online film criticism results in the renegotiation of traditional critical functions as well as popular involvement in film communities. Rotten Tomatoes provides a case study of how popular discourses operate in contemporary culture industries that are marked by convergence.

Résumé: Rotten Tomatoes.com est un site Internet qui rassemble des critiques de films de sources journalistiques et non professionnelles et qui offre des ressources complètes aussi bien pour l’utilisateur ordinaire que pour le mordu de cinéma. Cet article examine comment Rotten Tomatoes fonctionne comme un exemple de critique cinématographique « en ligne » dans un champ de production de la culture populaire. Rotten Tomatoes se situe aussi bien à l’intérieur du contexte d’une entreprise de critique cinématographique que dans le réseau global des conglomérats médiatiques. Je propose de considérer que l’assujettissement de la critique cinématographique aux impératifs commerciaux a pour résultat la renégociation de la fonction traditionnelle de la critique et de l’implication populaire dans les communautés de cinéphiles. Rotten Tomatoes nous fournit une étude de cas sur la façon dont le discours populaire fonctionne dans l’industrie culturelle contemporaine marquée par la convergence.

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Abstract: This article explores the sight and sound gags in Luis Buñuel’s films , and their relationship to the construction of his auteur persona. Building on Noel Carroll’s work on the sight gag, and Marijke de Valck’s translation of the sight gag to sound, this paper demonstrates how the gag in Buñuel is extradiegetic, and functions as an interruption of the diegesis that calls attention to the director. The word “gag” invokes the early cinema clowns and the aesthetic of the cinema of attractions, and suggests the disruption of narrative by the non-narrative spectacle of laughter. I suggest that it is a term usefully explored in relation to Buñuel, who considered the buffooneries of the early film clowns to be the equivalent of surrealism in cinema.

Résumé: Cet article se penche sur les gags visuels et sonores dans les films de Luis Buñuel, et plus précisément la relation qu’ils entretiennent avec la construction de l’image publique du réalisateur. À partir des travaux de Noël Carroll sur le gag visuel et ceux de Marijke de Valk sur la traduction du gag visuel au gag sonore, l’essai démontre que le gag dans l’œuvre de Buñuel est « extradiégétique » et fonctionne comme une interruption de la diégèse attirant l’attention sur le réalisateur. Le mot « gag » évoque les clowns et l’esthétique du cinéma des attractions, et suggère la rupture du récit par le spectacle non narratif du comique. Je suggère qu’il puisse être très utile d’explorer cette idée en relation à Buñuel qui considérait que les bouffonneries des premiers clowns du cinéma étaient équivalentes au surréalisme.

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Abstract: This essay explores the interwoven relationship between physical malady and unruly time at work in Andrey Tarkovsky’s final film, The Sacrifice. Afflictions that include fainting spells, nosebleeds, and hysterical fits occur often in The Sacrifice, and much scholarly work on Tarkovsky treats these attacks as symptoms of physical, emotional, or spiritual weakness in the characters. Yet closer inspection reveals how these unusual symptoms can be read as episodes of a profound and paradoxical “time sickness.” It is argued that illness in The Sacrifice indicates a radical disjunction between material and spiritual times that the film seeks to repair. By drawing on Tarkovsky’s own theoretical writings and by closely studying filmic articulation, this essay shows how The Sacrifice establishes both time sickness and its remedy, the restoration of time through the gesture of giving.

Résumé: Cet essai explore les relations qui se tissent entre la maladie physique et le désordre temporel dans le dernier film d’Andrey Tarkosvky, Le Sacrifice. Les afflictions, qui incluent les syncopes, les saignements de nez et les crises hystériques sont nombreuses dans Le Sacrifice et la plupart des recherches sur Tarkovsky traitent ces épisodes comme les symptômes d’une faiblesse physique, émotionnelle et spirituelle du personnage. L’examen attentif permet toutefois de montrer comment ces symptômes inhabituels peuvent être lus comme les épisodes d’une profonde et paradoxale « maladie du temps ». Il est suggéré que la maladie dans Le Sacrifice indique une disjonction radicale entre le temps séculier et spirituel que le film cherche à réparer. En s’inspirant des travaux théoriques de Tarkovsky et en étudiant attentivement les articulations cinématographiques, cet essai montre comment Le Sacrifice dépeint la maladie du temps tout en nous donnant le remède de sa restauration par le geste du don.

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Abstract: In this essay I explore the theme of masculinity in Bruce McDonald’s 1996 “rockumentary” Hard Core Logo. More specifically, I examine how McDonald draws on two film genres, the road movie and the mock-documentary, in order to explore male homosociality and masculine values of domination. First, I analyze the film as a road movie and discuss the relationships among the members of the punk group Hard Core Logo, especially the friendship between guitarist Billy Talent and singer Joe Dick, a friendship which is homoerotic and possibly homosexual but which is also defined by Joe’s desire to dominate Billy. Second, I consider the relationship between the fictional filmmaker and the group; this relationship too is characterized by the will to dominate. I argue that, through its multi-generic status and other modes of self-reflexivity and intertextuality, Hard Core Logo offers a cogent critique of certain masculine norms.

Résumé: Dans cet article, j’explore le thème de la masculinité dans le « rockumentaire » Hard Core Logo, réalisé par Bruce McDonald en 1996. Plus précisément, j’examine comment McDonald puise dans deux genres, le road movie et le pastiche de documentaire (documenteur) pour explorer la socialité des hommes entre eux ainsi que la valeur accordée par ceux-ci à la domination. J’analyse d’abord le film comme un road movie et j’examine les relations entre les membres du groupe punk Hard Core Logo. Je porte une attention spéciale sur la relation entre le guitariste Billy Talent et le chanteur Joe Dick, amitié homoérotique et possiblement homosexuelle, mais aussi caractérisée par le désir de domination de Joe envers Billy. Ensuite, je porte mon attention sur la relation entre le personnage fictif du réalisateur et le groupe ; cette relation est aussi caractérisée par une volonté de domination. Je propose de considérer que parce qu’il s’inspire de plusieurs genres et qu’il utilise divers modes de réflexivité et d’intertextualité, Hard Core Logo offre une critique convaincante de certaines normes masculines.

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Translator's Introduction: The following article was first a lecture delivered by Bazin in Warsaw, Poland, in November 1957; it was later published in French in Le Cinéma français de la liberation à la nouvelle vague (Paris: Éditions de l’Étoile, 1983, pp. 19-29). “Fifteen Years of French Cinema” is translated into English here for the first time, with the kind permission of Éditions de l’Étoile and the late Janine Bazin. This essay focuses on the critical years from 1942 to 1957, during which French cinema reinvented itself after the war. Bazin discusses the continuities and discontinu- ities between the pre-war and post-war cinema, highlighting the work of many key auteurs and their relationships to neorealism and American cinema, as well as French literature and painting. His examination of the cinema of postwar France is couched in the distinctive terms of a national cinema that underwent a “major sea change” in 1941 and provides a more nuanced discussion than Truffaut’s notorious dismissal of the period as “le cinéma de papa.”

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BOOK REVIEWS / COMPTES RENDUS

Alana Thain
Programming Reality: Perspectives on English-Canadian Television

Liz Czach
Screening Canadians: Cross-Cultural Perspectives on Canadian Film

Andrew Covert
Cinéma et attraction: Pour une nouvelle histoire du cinématographe

Julien Lapointe
Britton on Film: The Complete Film Criticism of Andrew Britton.

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