Appel à contributions – Revue Regards n°35

CARNETS FILMIQUES, CARNETS SONORES : DES ESSAIS DOCUMENTAIRES INTIMES ET COLLECTIFS.

Directeurs du dossier thématique :

• Robert Bonamy (Professeur des universités – Université de Poitiers – UR 15076 FoReLLIS)
• Aude Fourel (Maîtresse de conférences, Réalisatrice – Université Grenoble Alpes – UMR 5316 Litt&Arts)
• Bahia Bencheikh El Fegoun (Doctorante, Réalisatrice – Université de Poitiers – ED “Humanités” – UR 15076 FoReLLIS)
• Eve Le Fessant Coussonneau (Doctorante, Réalisatrice – Université de Poitiers – ED “Humanités” – UR 15076 FoReLLIS)

Les « carnets » ici considérés peuvent consister en des assemblages de fragments filmiques et/ou sonores. Ils forment des essais documentaires parfois personnels et esquissent une pensée à partir de choses vues, entendues, éprouvées. Le carnet s’apparente soit à un journal filmique et/ou sonore peu ou prou intime, soit à une chronique, en particulier quand il est conçu dans les multiples contextes antidémocratiques de ce premier quart du 21e siècle. Mais les propositions portant sur des initiatives collectives d’essais documentaires sont aussi ici particulièrement attendues. La forme du carnet se situe entre la spontanéité de l’expérience vécue et la réflexivité du temps long. Dans une perspective plurielle, ils oscillent entre élan partagé, bilan d’une société et importance de préserver la mémoire collective.

Pour les carnets sonores, autant que les carnets-essais filmiques, ce numéro de Regards sera particulièrement attentif aux expérimentations véritablement engagées artistiquement et politiquement. Que les propositions soient individuelles ou de groupes, elles devront concerner, conformément à la ligne éditoriale de la revue, la diversité du Moyen-Orient, de l’Afrique du Nord
et des pays méditerranéens. Les articles ne s’en tiendront aucunement aux exemples et quelques suggestions mentionnés dans cet appel à contributions.

Le carnet, une forme d’essai documentaire

Si le carnet écrit est souvent individuel, les formes filmiques et sonores s’ouvrent davantage à la pluralité. Et cela, d’autant plus dans des contextes autoritaires ou répressifs dans lesquels le droit à la parole et à l’image est détenu par une minorité. On pense notamment aux soulèvements populaires des années 2010 et à leurs échos sociopolitiques jusqu’à aujourd’hui, qui sont venus reposer la question de l’autoreprésentation des citoyen·nes. Comme l’écrivaient les membres de Bidayyat dans le texte de présentation du collectif, lors de la révolution syrienne des gens « ordinaires se sont retrouvés face à eux-mêmes à travers les images qu’ils avaient filmées de leurs propres mains ». Mais quelles réalités collectives s’agit-il de représenter dans ces carnets ? De la révolte, des revendications portées, jusqu’au siège, à l’occupation et à la destruction, le spectre des résistances est vaste. Au cœur de l’intensité ou au rythme du quotidien, les carnets de résistance documentaire portent des présences contre la normalisation et l’indifférence. Enregistrer s’apparente alors au dernier geste politique possible pour proposer une contre-visualité, s’opposer à l’effacement, affirmer sa présence par l’image, réclamer une visibilité pour être reconnu comme sujet humain à part entière.

Nous serons cependant également attentifs aux propositions venant questionner les dynamiques de ces images vernaculaires du quotidien. Les mutations médiatiques et les prétendues qualités démocratiques des nouveaux outils du récit de soi restent à interroger. Les réseaux sociaux et Internet nous demandent de repenser la forme-même du « carnet » filmique et sonore, aux frontières du journal virtuel. À titre d’exemple, le travail du collectif syrien Abounaddara vient déplacer les problématiques des images manquantes et complexifier la notion de droit à l’image des personnes vulnérabilisées en réclamant le respect de la dignité des corps des victimes du régime de Bachar Al-Assad. Contre l’apologie du témoignage amateur (images filmées au téléphone portable et postées sur les réseaux sociaux), le collectif défend depuis 2011 une représentation de la société syrienne par elle-même, dans sa complexité.

Cet axe de recherche autour des démarches collectives invite tout autant à s’intéresser au travail régulier d’un collectif en particulier, faisant office de chronique sur le temps long (par exemple, Mosireen en Égypte, ou les cinéastes de Still Recording en Syrie), que de formes filmiques composites, réactions créatives qui rassemblent le travail de plusieurs cinéastes (From Ground Zero, film coordonné par Rashid Masharawi, composé des 22 courts-métrages de cinéastes palestiniens déplacés dans la Bande de Gaza, ou encore Letters, 17 lettres filmiques de cinéastes libanais rassemblées par Josef Khallouf). Les contributions pourront s’inscrire dans des démarches historiques et étudier des pratiques collectives passées, tout comme elles pourront s’intéresser à la production filmique et sonore ultracontemporaine, ainsi qu’à la mise en écho des temporalités.

Dans la perspective de ce numéro consacré aux carnets documentaires, nous serons également sensibles aux approches réflexives et aux mises en perspectives temporelles. Si la forme du carnet a tendance à répondre à une forme de spontanéité et est en partie ancrée dans la temporalité du présent, il se compose au fil des jours et peut également rendre compte du temps long. Il pourra donc être intéressant de se pencher sur l’enjeu des archives, les pratiques actuelles qui les entourent et leur rôle rétroactif quand il s’agit d’établir un journal de bord. Le travail complet de Subversive Film, collectif de recherche et de production cinématographique autour de la Palestine, allie ainsi préservation, programmation et création.

Parmi les exemples de carnets filmiques « personnels » les plus remarquables et à l’extrême pointe des tentatives contemporaines, citons Contre temps (Al nahar howa al layl ; 2024, 345 min.). Son réalisateur, Ghassan Salhab, qualifie la part essayiste de sa filmographie de « vidéos », en rappelant volontiers la signification latine du verbe video, à la première personne du singulier du présent de l’indicatif pour l’infinitif latin videre : « je vois ». D’autres traductions possibles, et il n’est guère anodin de les mentionner, seraient « j’aperçois », « je suis témoin de », voire « je suis contemporain de ». Ghassan Salhab réalise une vidéo, qui prend la forme d’un ample carnet filmique entièrement tourné au téléphone portable. Contre temps s’avère ainsi une chronique de cinq années d’histoire politique du Liban, depuis le 17 octobre 2019 et le démarrage des soulèvements sous la forme de marches et manifestations urbaines populaires (en particulier à Beyrouth et à Tripoli), entrecoupements de luttes contre les pouvoirs financiers qui ont conduit le pays à sa ruine, les pouvoirs des représentants politiques élus et les pouvoirs patriarcaux. Le film se termine avec l’évocation d’un moment de novembre 2023, à savoir la retranscription poétique d’un dernier échange téléphonique avec un ami situé dans la bande de Gaza. Contre temps est autant un carnet individuel que l’archive de la recherche d’un commun réfractaire. Ce film dialogue d’ailleurs avec un carnet de photographies et de textes intitulé à contre-jour (depuis Beyrouth), qui a paru en 2021.

Le forme-carnet correspond parfois à une forme de clandestinité, dans des contextes de censure ou avec des stratégies conduisant à l’auto-censure. Dans le champ du documentaire filmique, The Silent Majority Speaks de Bani Khoshnoudi constitue un exemple particulièrement important, quand bien même il passe du statut de carnet filmique à celui de fresque historique. Tourné à Téhéran en 2009 au moment du Mouvement vert, il fut diffusé clandestinement sous le pseudonyme « The Silent Collective » jusqu’en 2013.

Les pistes du documentaire sonore

Aux côtés des propositions d’articles prenant pour sujet des essais filmiques, cet appel concerne aussi les carnets exclusivement sonores. Parmi quelques réalisations remarquables, mentionnons l’atelier de création radiophonique intitulé Je vous parle de la Syrie par Charlotte Rouault (atelier de la création produit par Irène Omélianenko), avec la participation de Benoît Bories (les deux artistes forment actuellement la structure appelée « Faïdos sonore »). Ce documentaire sonore est construit à partir de témoignages de Syriennes qui racontent le quotidien personnel et collectif de la guerre et de leur engagement dans la révolution. Le carnet sonore, qu’il soit une trace d’un ici et maintenant ou un (re)montage de voix ou de lieu, s’avère un registre documentaire propice à des gestes novateurs.

Mentionnons également les ambiances sonores de la ville de Beyrouth enregistrées par Rana Eid sur plusieurs décennies lors desquelles se sont enchaînés la guerre civile, la reconstruction, la guerre de 2006, la révolution civile de 2019, l’explosion du port le 4 août 2020 et l’effondrement économique du Liban. Marine Vlahovic, à qui l’on doit des « carnets de correspondante » (issus de son travail de correspondante entre 2016 et 1019 pour les radios publiques francophones en Palestine), demande ainsi à Rana Eid de commenter ses archives sonores dans la pièce sonore intitulée Le Souffle de Beyrouth. Une histoire du Liban racontée par le son (2021, Arte Radio). Tout dernièrement, avec Calling Gaza (2024, Arte Radio) et avant son décès en novembre 2024, Marine Vlahovic a réalisé l’épilogue de son carnet de correspondante en réunissant des milliers de messages, les centaines d’heures de rushs récoltés, notamment sur les réseaux sociaux, pour documenter le quotidien à Gaza.

Pour la création sonore, cet appel souhaite ne pas privilégier les écritures normatives des podcasts intimistes, sans pour autant cesser d’être attentifs à des propositions des plus jeunes générations, notamment quand elles concernent des carnets sonores multilingues (le travail que « L’île aux podcasts » conduit notamment avec et par de jeunes Algérien·nes, par exemple).

Fragments, recherches, créations

La forme carnet s’avère aussi particulièrement employée dans le cadre de la recherche-création ; nous attendons ainsi potentiellement des contributions de chercheuses et chercheurs qui investissent ces modalités dans les domaines de la création filmique et de la création sonore. Le statut de ces carnets, sans en rester au seul statut d’élément préparatoire, d’esquisse ou de journal de création, pourra ainsi être mieux interrogé.

En répondant à des commandes d’institutions (par exemple pour la collection « Où en êtes-vous ? » du Centre Pompidou, en ce qui concerne notamment Amir Naderi, Jafar Panahi ou Tariq Teguia) ou en réalisant des essais provisoires, étapes de travail qui ne sont pas nécessairement divulguées, des cinéastes réalisent des carnets filmiques – au sens du carnet d’essai. Parmi les carnets de création ou journaux de bord composites, en partie constitués de fragments filmiques qui ne sont pas destinés à figurer dans le film achevé, ceux publiés par David Yon sur le site Internet Dérives.tv sont particulièrement intéressants. Ils comportent
notamment des annotations et plusieurs essais entamés pendant l’élaboration de ses films Les Oiseaux d’Arabie (2009) et La Nuit et l’Enfant (2015), qui concernent tous deux la ville algérienne de Djelfa, ainsi que Ne me guéris jamais (2023). La création est ainsi en recherche ; il serait tout autant intéressant de comprendre si de telles réalisations provisoires et souvent particulièrement fragmentaires (qui correspondent ainsi davantage à des essais qu’aux injonctions du teaser) sont employées par les documentaristes sonores.

L’évocation de ces différents exemples en appelle de nombreux autres, probablement tout à fait voisins, mais aussi avec des démarches de réalisatrices et de réalisateurs potentiellement très différentes. Les contributrices et contributeurs sont aussi invités à discuter, remanier et critiquer la notion de carnet ici proposée pour le cinéma et la création sonore.

Modalités de soumission

Les chercheurs désireux de soumettre un abstract (en français, anglais ou arabe) sont invités à l’envoyer à l’adresse suivante : regards@usj.edu.lb, avant le 30 avril 2025.

Le message doit comporter :

• Le résumé (abstract) de l’article (approx. 500 mots).
• Les mots-clés.
• Une notice bio-bibliographique (approx. 100 mots).
• Une bibliographie

Les abstracts seront examinés par le comité de rédaction, et les auteurs recevront une réponse avant le 15 mai 2024.

La date limite de soumission de l’article final (environ 5000 mots) est prévue pour le 15 septembre 2025.

Comité scientifique
• Hamid Aidouni, PR (Université Abdelmalek Essaadi, Maroc)
• Karl Akiki, MCF (Université Saint-Joseph de Beyrouth, Liban)
• Riccardo Bocco, PR (Graduate Institute of International and Development Studies
Genève, IHEID, Suisse)
• Fabien Boully, MCF (Université Paris Nanterre, France)
• André Habib, PR (Université de Montréal, Canada)
• Dalia Mostafa, MCF (University of Manchester, Angleterre)
• José Moure, PR (Université Paris Panthéon Sorbonne – Paris 1, France)
• Jacqueline Nacache, PR (Université de Paris, France)
• Ghada Sayegh, MCF (IESAV, Université Saint-Joseph de Beyrouth, Liban)
• Kirsten Scheid, Associate PR (American University of Beirut, Liban)

Rédacteur en chef : Joseph Korkmaz, (Professeur – Université Saint-Joseph de Beyrouth – Liban)

Directeurs du dossier thématique :
• Robert Bonamy (Professeur des universités – Université de Poitiers – UR 15076 FoReLLIS)
• Aude Fourel (Maîtresse de conférences, Réalisatrice – Université Grenoble Alpes – UMR 5316 Litt&Arts)
• Bahia Bencheikh El Fegoun (Doctorante, Réalisatrice – Université de Poitiers – ED “Humanités” – UR 15076 FoReLLIS)
• Eve Le Fessant Coussonneau (Doctorante, Réalisatrice – Université de Poitiers – ED “Humanités” – UR 15076 FoReLLIS)

Appel à contributions – revue Regards 35 version finale 2025

Call For Proposals – FILM-PHILOSOPHY CONFERENCE 2025

University of Malta, Valletta Campus
June 23-25, 2025

Sponsored by York University in Toronto and the University of Malta, the 2025 Film-Philosophy Conference will be held June 23-25 at the Valletta Campus of the University of Malta. For more about Film-Philosophy and Malta, see below.

KEYNOTE SPEAKERS:
Sandra Laugier (Philosophy, Sorbonne)
May Adadol Ingawanij (School of Arts, University of Westminster)
Walid El Khachab (Arabic Studies, York University)

GENERAL TRACKS AND TOPICS:
We invite proposals for 20 min presentations (submission details below). All presentations should focus on film, philosophy, and their intersections. Within those parameters, we invite proposals on the following tracks, themes, and topics, but not restricted to these:

• Algorithms/Digital Technology/New Media
• Animality/Nonhuman/Environment/Climate
• Arabic Thought and Cinema
• Black Thought and Cinema
• Body/Affect/Emotion
• Classical Film-Philosophy
• Cognitivism and Post-Analytic Philosophy
• Coloniality, Decoloniality, and Film-Philosophy
• Documentary, Nonfiction, Science Film
• Ethics
• Existentialism and/or Phenomenology
• Expanded Cinema, Artist Film and Installation, Video Art
• Feminist, Gender, Queer, and/or Trans Theory
• Indigeneity and Fourth Cinema
• Islands, Water, and/or Piracy
• Love, Care, Relationality
• Malta and Moving Images
• Mediterranean Thought and Cinema
• Migrants/Migration
• Neurodiversity
• New Materialism, Object-Oriented Ontology, Plasticity, and/or Network Theory
• Open topics
• Political Film-Philosophy
• Psychoanalysis
• Religion, Spirituality, Dis/Enchantment, Secularism, Postsecularism
• Workshops

SUBMISSIONS:

Please submit only one 300-word proposal for a 20-minute English presentation by February 21, 2025. Submissions should be prepared for blind review. We are not accepting any unsolicited proposals for pre-constituted panels; if you have an idea for a panel, please contact Mark Cauchi (mcauchi@yorku.ca) before you submit. Submissions will be evaluated by a review panel. Decisions about acceptance will be announced by March 7, 2025.

To submit a proposal, go to https://journals.ed.ac.uk/f-p-submissions/index, which is the submission page for the Film-Philosophy Journal. Click “Make a Submission” on the right. You will have to register or login. On the “Submissions” page, click “New Submission” on the right. On the “Make a Submission” page, be sure to select “Film-Philosophy Conference 2025” in the menu.

ENQUIRIES:
If you have any questions, please get in contact with Mark Cauchi (York University, Toronto) and include “FP Question” in your subject line: mcauchi@yorku.ca

The conference is being organized by:
Mark Cauchi (Department of Humanities, York University, Toronto)
Gloria Lauri Lucente (Film Studies, University of Malta)
Claude Mangion (Department of Philosophy, University of Malta)

ABOUT FILM-PHILOSOPHY:
The Film-Philosophy conference has been taking place since 2008. The conference and its related journal, Film-Philosophy (https://www.euppublishing.com/loi/film), are dedicated to the engagement between film studies and philosophy, exploring the ways in which films develop and contribute to philosophical discussion. The journal and conference provide a forum for the thoughtful re-evaluation of key aspects of both film studies and philosophy as academic disciplines. The language of both the conference and the journal are English.

ABOUT MALTA:
The archipelago of Malta is located 80 km south of Sicily and 280 km east of Tunisia. That geographic location gives an indication of the Italian-Arabic fusion that characterizes its culture. As is noted in the contemporary Maltese literary journal, Aphroconfuso, the first printed publication about Malta, from 1536, observes that “The people have a Sicilian character, with a mixture of African [Aphro confuso].” Ruled and colonized by outsiders for almost all of its 5000-year history, Malta’s culture is very visibly tessellated by that of its settlers and rulers. A former British colony, English is the second official language of Malta, and today almost everybody speaks it very well; its first, native language being Maltese, a distinctive language that fuzes Arabic and Sicilian, written in Roman script, with much adapted English vocabulary. With a total land area of 312 km2, and a population of 500k, it is the eighth-most dense place on Earth, and it packs in many things to appreciate: sunny hot weather, numerous beaches, neolithic ruins and goddess temples, medieval and renaissance towns, Baroque and neo-Classical architecture, two Caravaggio paintings, 400 historical churches, quiet rural escapes and natural wonders, stunning views, and a distinctive local cuisine, as well as more common Mediterranean and international fare. While this dense geography and history may not be exactly what Humphrey Bogart meant in The Maltese Falcon when he referred to the “stuff dreams are made of,” Malta has nevertheless also been something of a dream factory, serving as a filming location for numerous films: Midnight Express, Popeye, Clash of the Titans, Swept Away, Troy, Munich, World War Z, Gladiator I and II, and Napoleon, among many others.

Appel à communications dans le cadre du 92e congrès de l’ACFAS

Colloque 310 : « S’endormir en images : l’impact des contenus audiovisuels sur le sommeil et les rêves »

Responsables :
Santiago Hidalgo (UdeM), Thomas Carrier-Lafleur (UdeM) et Marie-Josée Saint-Pierre (Université Laval)

Qu’il s’agisse des films de fiction, des contenus animés, des séries télévisées ou des reportages, des vidéos Instagram, TikTok ou YouTube, les contenus audiovisuels font désormais partie intégrante de notre environnement quotidien, transformant notre perception du monde et notre manière de penser jusqu’à s’immiscer dans nos rêves. Avec l’usage massif des téléphones intelligents et l’accessibilité grandissante aux médias, l’offre audiovisuelle contemporaine est en effet devenue aussi variée que pléthorique. S’il est vrai que l’usage excessif des écrans peut s’avérer nocif, tant en termes de dépendance, d’isolement que de désinformation (Shannon, 2022; Office of the Surgeon General. 2023), quelques rares études tendent néanmoins à montrer que les contenus audiovisuels ont un impact positif significatif sur notre vie mentale (Paulus, 2023). Dans certains cas, tout spécialement dans les minutes qui précèdent le sommeil, les spectateurs cherchent des contenus audiovisuels dont l’aspect réconfortant ou apaisant est susceptible de favoriser le sommeil (Barratt et Davis, 2015; Chan et Uusiautti, 2022; Lohaus, et al. 2023).

Dans cette perspective, le colloque « S’endormir en images : l’impact des contenus audiovisuels sur le sommeil et les rêves » invite les participant·e·s à réfléchir sur les influences que les contenus audiovisuels peuvent exercer sur l’endormissement, le sommeil et les rêves. Parler de l’impact positif des images médiatiques sur le bien-être requiert toute une combinaison d’approches scientifiques afin d’intégrer les dimensions psycho-cognitive, neurologique et socioculturelle mises en jeu. En engageant une approche intersectorielle, ce colloque vise à croiser les expertises de chercheur·e·s issu.e.s de différents domaines pour comprendre l’impact des usages spectatoriels émergents et, plus largement, pour analyser l’impact des contenus audiovisuels sur le sommeil et les rêves

Ce colloque se structura autour de plusieurs champs complémentaires. Le colloque invite les chercheuses et chercheurs à explorer un terrain de réflexion inédit, l’usage thérapeutique de contenus médiatiques facilitant l’endormissement, en particulier les vidéos ASMR, dont les propriétés audiovisuelles causent une sensation de bien-être (une réponse sensorielle autonome culminante ou, en anglais, « autonomous sensory meridian response ») et qui sont destinées à l’apaisement des sens (Gallagher, 2016; Keiles, 2019). Le colloque invite également les chercheuses et chercheurs à s’interroger l’influence des contenus audiovisuels ―le cinéma de fiction, les films d’animation, les séries télévisées, etc.― sur la qualité du sommeil et sur la formation et la qualité des rêves. Nous encourageons les chercheur.se.s à la croisée des études cinématographiques et des neurosciences à réunir leurs expertises sur ce domaines de recherche relativement nouveaux en s’appuyant sur des méthodes éprouvées.

Les propositions de communications peuvent s’inscrire parmi la liste (non exhaustive) des sujets suivants :

• l’impact thérapeutique des contenus audiovisuels sur le bien être ;
• perspectives et enjeux actuels de la « cinéthérapie » ;
• l’ASMR et les « déclencheurs » (triggers) de réponses ASM ;
• les formes et typologies de l’ASMR ;
• les influences du cinéma de fiction et d’animation (à un niveau tant historique, esthétique, que narratologique) sur la manière de rêver ;
• l’emploi du langage cinématographique dans les rapports de rêve ;
• l’influence positive des contenus audiovisuels (vidéos, films, Reels, etc.) sur le sommeil et les rêves ;
• études thérapeutiques élaborées à partir d’un dispositif audiovisuel comme solutions potentielles aux divers troubles du sommeil.

Le colloque se déroulera les 8 et 9 mai 2025 à l’Université Concordia (Montréal). Chaque journée s’articulera autour d’un axe de recherche particulier, l’un portant sur l’ASMR et l’impact des contenus audiovisuels sur le bien-être, l’autre sur le sommeil et les rêves.

Certaines contributions seront retenues en vue de publications scientifiques, l’une dédiée à la « cinéthérapie » et à l’ASMR, l’autre à l’influence des contenus audiovisuels sur les rêves.

Envoi des propositions

Les propositions doivent être envoyées avant le 14 février 2025 à l’adresse suivante : labocinemedias@histart.umontreal.ca

La proposition doit contenir le titre de la communication, l’affiliation de l’auteur·e ainsi qu’un résumé (350 mots) et une courte bibliographie. Les communications seront d’une durée de 20 minutes. Une réponse vous sera transmise au plus tard le 28 février 2025.

Pour consulter le site de l’ACFAS (Association canadienne-française pour l’avancement des sciences) : www.acfas.ca

Organisation

Santiago Hidalgo
Professeur (UdeM) et directeur du Laboratoire CinéMédias
santiago.hidalgo@umontreal.ca

Thomas Carrier-Lafleur
Chargé de cours (UdeM) et directeur adjoint du Laboratoire CinéMédias
thomas.carrier-lafleur@umontreal.ca

Marie-Josée Saint-Pierre
Professeure (Université Laval)
marie-josee.st-pierre@design.ulaval.ca

Comité scientifique

Antonio Zadra
Professeur (UdeM) et directeur du CÉAMS

Stéphanie Boisvert
Professeure (UQÀM)

Michèle Carr
Professeure (UdeM)

Pierre Chemartin
Chargé de cours (UdeM)

Nadia Gosselin
Professeure (UQÀM)

Pauline Sarrazy
Chargée de cours (UdeM)

Coordination
Rosalie Carignan (UdeM)
Tara Karmous (UdeM)

Références

Barratt, Emma L. et Nick J. Davis. 2015. « Autonomous Sensory Meridian Response (ASMR): a flow-like mental state ». PeerJ vol 3, p.e851. https://doi.org/10.7717/peerj.851

Chan, Ko Wai, et Satu Uusiautti. 2022. « University students’ Autonomous Sensory Meridian Response (ASMR) experiences in the light of a well-being theory », International journal of media, technology and lifelong learning, vol 18, no 1. https://doi.org/10.7577/seminar.4669

Gallagher, Rob. 2016. « Eliciting Euphoria Online: The Aesthetics of “ASMR” Video Culture », Film Criticism, vol 40, no 2, s.p. https://doi.org/10.3998/fc.13761232.0040.202

Keiles, Jamie Lauren. 2019. « How ASMR Became a Sensation ». The New York Times Magazine (avril), p.57.
https://www.nytimes.com/2019/04/04/magazine/how-asmr-videos-became-a-sensation-youtube.html

Lohaus, Tobias, et al. 2023. « The effects of Autonomous Sensory Meridian Response (ASMR) videos versus walking tour videos on ASMR experience, positive affect and state relaxation », PLoS One, vol 4, no18, p.e0277990. https://doi.org/10.1371/journal.pone.0277990

Office of the Surgeon General. 2023. Social media and youth mental health: The U.S. Surgeon General’s advisory. Washington :US Department of Health and Human Services. https://www.ncbi.nlm.nih.gov/books/NBK594763/

Paulus, Martin, et al. 2023. « Screen media activity in youth: A critical review of mental health and neuroscience findings. » Journal of Mood & Anxiety Disorders, vol. 3, 100018. https://doi.org/10.1016/j.xjmad.2023.100018

Shannon, H., et al. 2022. « Problematic social media use in adolescents and young adults: systematic review and meta-analysis », JMIR Mental Health, vol. 9, e33450. https://doi.org/10.2196/33450

The Association for Canadian Studies in the United States (ACSUS) will host its 27th biennial conference, November 13-16, 2025, in Seattle, WA. The conference is open to all proposals with a significant Canadian focus. We welcome papers and panel proposals from students, professors, independent scholars, and practitioners on all diverse and critical perspectives
related to the theme, “Canada: Spaces of Change.” ACSUS encourages panels and papers addressing subjects in the following categories:
● Border Issues, Integration, Trade, and Economics
● Critical Cultural Studies and Philosophy
● Energy and the Environment
● Foreign Policy and Defense
● Gender, Identities, Minorities, and Diversity
● History
● Indigenous and Settler Colonial Studies
● International Relations
● Law, the Constitution, and Land Claims
● Literature, Film, Music, and the Arts in English
● Literature, Film, Music, and the Arts in French
● Politics and Public Policy
● Québec Studies and the Francophone Presence in North America
● Teaching of Canada and Education Through Diverse Perspectives
● The North and Arctic Studies Through Diverse Perspectives
● Students’ research

Canada: Spaces of Change. How is Canada perceived and portrayed from outside its borders, and by the international community? What are the historical and present-day nuances of Canada-US relations and where are they going? How are the US and Canada changing, and in what arenas and ways? What role does the border have in creating or working against
familiarity, or belonging? What role do non-governmental agencies around the world play in shaping Canada’s relationships with the world? Finally, as a professional organization dedicated to the promotion of Canadian Studies, what is ACSUS’s role in these larger questions? Proposals that touch on these themes through diverse and critical perspectives are especially encouraged, though, as always, submissions on all subjects addressing Canada and Canadian-American relations are welcome.

The conference venue is the Hyatt at Olive 8, an upscale hotel in downtown Seattle. Seattle offers a broad range of cultural and social experiences, including many iconic landmarks and scenery easily accessible by public transit. Accommodations are provided at the special ACSUS conference rate of $176 (single or double occupancy). For a detailed overview of this property, please see the Hyatt at Olive 8’s main website.

The conference proposal schedule and registration fees, which includes a required 2-year ACSUS membership valued at $120 USD, are as follows:

(1) The final date to submit a conference proposal to the ACSUS website is February 1, 2025.
(2) Confirmations will be sent out to participants by April 1, 2025
(3) For individuals who stay at the Hyatt at Olive 8, the early conference registration fee is $359 before August 1, 2025. To receive this discounted members’ registration rate, individuals must first make a hotel reservation with the Hyatt at Olive 8. At the time of on-line registration for the conference, you will need to enter your assigned hotel confirmation number to secure the reduced registration rate.
(4) For individuals who stay at the Hyatt at Olive 8 and who register after August 1, 2025, the registration fee is $399.
(5) For individuals who opt to stay at a non-conference hotel, registration fees are $459.
(6) For individuals residing in the greater Seattle region, registration fees are $359 before August 1, 2025, and $399 after August 1, 2025.
(7) A one-day registration fee is available at $150 for non-members. Accepted presenters who register at the one-day rate will be also required to purchase an ACSUS membership at the appropriate fee.
(8) Registration for undergraduate and graduate students is sharply discounted at a rate of $125, which includes a 2-year ACSUS membership.
(9) For individuals who are retired and stay at the Hyatt at Olive 8, the registration fees are $299 before August 1, 2025, and $339 after August 1, 2025. For retirees who do not stay at the conference hotel, the registration rate is $399.

NOTE: all registration fees and room rates listed above are in USD. All presenters must register for the conference by September 21, 2025; individuals not registered by this date will not be listed in the printed and on-line conference program.

Conference registration refunds will be honored until October 3, 2025.

ACSUS has an online access platform on our website. This platform allows for conference paper/panel submissions and membership registrations. Scholars interested in submitting a proposal for the conference should forward an abstract of not more than 300 words (including a working title), along with a brief vitae (2 pages maximum), to www.acsus.org no later than February 1, 2025. Paper presenters must be current ACSUS members in good standing, and submissions from graduate students and exceptional undergraduates are warmly welcomed.
Confirmations regarding participation at the conference will be sent out to participants by April 1, 2025.

Please see the ACSUS conference website for more information.

If you have inquiries, kindly send your questions to the ACSUS conference program chair, Dr. Sara Beth Keough – sbkeough@svsu.edu.

SECTIONS
• Border Issues, Integration, Trade, and Economics
• Critical Cultural Studies and Philosophy
• Energy and the Environment
• Foreign Policy and Defense
• Gender, Identities, Minorities, and Diversity
• History
• International Relations
• Law, the Constitution, and Land Claims and Indigenous and Settler Colonial Studies
• Literature, Film, Music, and the Arts in English
• Literature, Film, Music, and the Arts in French
• Politics and Public Policy
• Québec Studies and the French Presence in North America
• Teaching of Canada and Education Through Diverse Perspectives
• The North and Arctic Studies Through Diverse Perspectives
• Students’ research

We acknowledge that the city of Seattle and its greenspaces are on stolen Coast Salish land, specifically the ancestral land of the Duwamish, Suquamish, Stillaguamish, and Muckleshoot People. We recognize the stewardship of Seattle’s greenspaces by the Coast Salish people since time immemorial, the disruption of this work by colonization, and now endeavor to continue this work. We make this acknowledgment to remind ourselves that, by being here today, we strive to remedy this injustice through our beliefs and actions in helping to steward our green spaces and communities in Seattle.

ACSUS is an organization committed to the principles of equity, justice, and diversity and works to ensure meaningful inclusion.

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L’Association d’études canadiennes aux États-Unis (ACSUS) tiendra sa 27e conférence biennale du 13 au 16 novembre 2025 à Seattle, WA. Nous invitons les étudiants, les professeurs, les chercheurs indépendants et les praticiens à présenter par diverses perspectives et critiques des propositions de communications et panels liés au thème Le Canada : espaces de changement. L’ACSUS encourage les panels et les communications individuelles relevant de l’un des champs de
recherche suivants:

● Droit, constitution, déclarations de territoires et colonialisme
● Enjeux frontaliers, intégration, commerce et économie
● Études culturelles critiques et philosophie
● Énergie et environnement
● Enseignement du Canada et éducation selon des perspectives diverses
● Études nordiques et arctiques selon des perspectives diverses
● Études québécoises et présence francophone en Amérique du Nord
● Genre, identités, minorités et diversité
● Histoire
● Littérature, cinéma, musique et arts en anglais
● Littérature, cinéma, musique et arts en français
● Peuples autochtones et revendications territoriales
● Politique étrangère et défense
● Politique et politique publique
● Recherche étudiante
● Relations internationales

Le Canada : espaces de changement. Comment le Canada est-il perçu et représenté en dehors de ses frontières et par la communauté internationale ? Quelles sont les nuances historiques et actuelles des relations canado-américaines et où vont-elles ? Comment les États-Unis et le Canada évoluent-ils, dans quels domaines et de quelles manières ? Quel rôle les agences non gouvernementales de partout dans le monde jouent-elles dans les relations avec le Canada ? Finalement, comme association dédiée à la promotion des études canadiennes, quel est le rôle de l’ACSUS dans l’avancement des connaissances ? Les propositions qui ont trait à ces questions thématiques par des perspectives diverses et critiques sont particulièrement encouragées ainsi que toutes autres propositions liées au Canada et au thème des relations canado-étatsuniennes.

Le lieu de la conférence sera le Hyatt at Olive 8, un hôtel chic dans le centre-ville de Seattle, proche de beaucoup lieux emblématiques. Vibrante et attrayante, la ville de Seattle offre de nombreuses expériences culturelles et sociales qui sont facilement accessibles par transport en commun. L’hébergement au Hyatt at Olive 8 nous est offert au tarif spécial de 179$ (simple ou double). Pour un aperçu détaillé de l’hôtel, veuillez consulter le site web du Hyatt at Olive 8.

Le programme de la conférence et les frais d’inscription, qui incluent un abonnement obligatoire de 2 ans à l’ACSUS pour 120$, sont les suivants:

(1) La date finale pour soumettre une proposition de communication sur le site web d’ACSUS est le 1er février 2025.

(2) Les propositions de communications seront confirmées par la présidente du programme de la conférence au plus tard le 1 avril 2025.

(3) Les participants/es qui séjournent au Hyatt at Olive 8 auront un tarif d’inscription préférentiel de 359$ jusqu’au 1er août 2025. Pour bénéficier du tarif réduit, les participants/es devront d’abord réserver leur chambre d’hôtel auprès du Hyatt Regency Crystal City. Au moment de l’inscription en ligne, il faudra donner le numéro de confirmation de l’hôtel afin de garantir ce tarif préférentiel.

(4) Pour les participants/es qui séjournent au Hyatt Regency Crystal City et qui s’inscrivent après le 1er août 2025, les frais d’inscription augmentent à 399$.

(5) Pour les participants/es qui choisissent de séjourner ailleurs, les frais d’inscription sont de 459$ USD.

(6) Pour les participants/es de la région métropolitaine de Washington, D.C., les frais d’inscription sont de 359$ avant le 1er août 2025 et de 399$ après cette date.

(7) Une inscription pour une journée est offerte à 150$ pour les non-membres. Tous les participants/es qui s’inscrivent pour une journée doivent aussi s’abonner à l’ACSUS.

(8) Les frais d’inscription pour étudiants/es sont nettement réduits à 125$, ce qui inclut l’abonnement de 2 ans à l’ACSUS.

(9) Pour les participants/es retraités/es qui séjournent au Hyatt Regency Crystal City, les frais d’inscription sont de 299$ avant le 1er août 2025 et 399$ après cette date. Pour les retraités/es qui ne séjournent pas à l’hôtel de la conférence, les frais d’inscription sont de 399$.

À NOTER: Tous les frais d’inscription et les prix mentionnés ci-haut sont en dollars américains. Tous/toutes participants/es doivent s’inscrire à la conférence avant le 21 septembre 2025; les personnes non inscrites à cette date ne figureront pas dans le programme de la conférence (versions papier et en ligne).

Les remboursements d’inscription seront acceptés jusqu’au 3 octobre 2025.
L’ACSUS dispose d’une plateforme d’accès sur son site web, laquelle permet de soumettre les
propositions de communication et de panels et de s’inscrire en ligne. Les propositions de
communication doivent compter un résumé d’au plus 300 mots (titre compris) ainsi qu’un bref
c.v. (2 pages maximum) et être soumises à www.acsus.org avant le 1er février 2025. Les
participants/es doivent être membres en règle de l’ACSUS et les propositions provenant
d’étudiants des cycles supérieurs et d’étudiants de premier cycle exceptionnels sont
chaleureusement accueillies. Les confirmations concernant la participation à la conférence seront
envoyées au plus tard le 1 avril 2025.

Veuillez consulter notre site web pour toutes informations mises à jour concernant la Covid-19 et les exigences de vaccination.

Si vous avez des questions, veuillez communiquer avec la présidente du programme de la conférence ACSUS 2025, Dr. Sara Beth Keough – sbkeough@svsu.edu.

LES SECTIONS
• Enjeux frontaliers, intégration, commerce et économie
• Études culturelles critiques et philosophie
• Énergie et environnement
• Politique étrangère et défense
• Genre, identités, minorités et diversité
• Histoire
• Relations internationales
• Droit, constitution, déclarations de territoires et colonialisme
• Littérature, cinéma, musique et arts en anglais
• Littérature, cinéma, musique et arts en français
• Politique et politique publique
• Études québécoises et présence francophone en Amérique du Nord
• Enseignement du Canada et éducation selon des perspectives diverses
• Études nordiques et arctiques selon des perspectives diverses
• Recherche étudiante

Nous reconnaissons que la ville de Seattle et ses espaces verts se trouvent sur les terres volées aux Salish de la côte, en particulier sur les terres ancestrales des peuples Duwamish, Suquamish, Stillaguamish et Muckleshoot. Nous reconnaissons la gestion des espaces verts de Seattle par les peuples Salish de la côte depuis des temps immémoriaux, ainsi que la perturbation de leur travail par la colonisation; nous espérons maintenant poursuivre l’œuvre des Salish de la côte.

Cette reconnaissance territoriale vise à nous rappeler qu’en étant ici, aujourd’hui, nous nous engageons à redresser cette injustice en adoptant des idées et en posant des gestes pour protéger les espaces verts et les communautés de Seattle.

The Centre for Canadian Studies at Brock University, in collaboration with the Faculty of Education, invites submissions for Two Days of Canada at School, to be held on 27-28 March 2025.

This interdisciplinary conference, part of the Centre’s annual Two Days conference series, will bring together researchers from diverse fields of scholarship to exchange ideas and generate dynamic interaction in a welcoming and collaborative environment. This year’s conference coincides with the sixtieth year of the founding of Brock University, and therefore shall draw considerable interest from within and beyond the academy.

Topics for this conference, as befitting an interdisciplinary event, are intentionally broad. The only restriction is that the research must include a Canadian focus. The following list is intended only as a sample of the kinds of ideas the program committee welcomes:

• Education and the history of Canada
• The politics of Canadian education
• Issues related to Canadian educational policy
• Cultural shifts in Canadian education
• Equity, Identity, and Inclusion in Canadian Education
• Educational innovations
• Indigenous educational experiences
• Immigration and Canadian education
• Emerging pedagogical approaches
• The intersection of political extremism and educational policy
• Comparative education – Canada and other countries

The program committee invites submissions for both individual presentations and for full panels of 3-4 presentations. We are also open to creative submissions that move beyond these two formats.
Those submitting proposals for individual presentations should send an abstract of no more than 300 words, along with a brief CV or biography. Panel proposals should include a brief outline of the panel topic (maximum 300 words) and of individual presenters’ proposals (maximum 200 words each), along with brief CVs or biographies for the panelists. Panels should also ideally identify a chair or moderator. The committee also welcomes suggestions for round table discussions.

In addition to faculty members and graduate students, we encourage and value proposals from community members and groups outside of the university sector.

The deadline for submissions is 15 January 2025. Successful applicants will be informed of the program committee’s decision by 31 January 2025.

Please send any inquiries or session proposals to CanadianStudies@Brocku.ca

Call for Proposals: (Re)Imagining AI Interventions///Intervening (into) AI Imaginaries

https://imaginationsjournal.ca/index.php/imaginations/cfps

Deadline: 500-word abstract due January 15, 2024, papers due June 1, 2025

In an age of endless disruption, how do we live with the rapid advances and early analyses of artificial intelligence software, moral panic, and the voracious consumption of already oppressive datasets and social relations? We have already seen some deep scholarly engagement with issues of ethical database scraping and intellectual property violations (Crawford 2021; Delfanti & Phan 2024; Luka & Millette 2018), environmental impacts (Hogan & Lepage-Richer 2024; Valdivia 2023; MIT Technology Review Insights 2023; Torres 2024), and workflow interferences and augmentations (Ahmed et al 2024; Grohmann et al 2022; Khovanskaya et al 2022; Poell, Nieborg & Duffy 2022). How can we imagine and design critical and creative futures (Alcoff 2020; Nakayama & Morris 2015; Tozer et al 2023; Varon & Peña 2021) for artists, activists, scholars, and consumer-worker-citizens considering these latest AI developments? How do we resist (re)colonization impulses (Couture & Toupin 2019; Campbell & Forman 2023; Hampton 2023) in the AI context? Building on recent work (e.g., Chan et al., 2020; Cifor et al, 2019; Coleman 2023; Lewis 2024; Ricaurte Quijano 2021; Stinson & Vlaad 2024), how can we imagine rebuilding… revisualizing… repairing… refusing… the world(s) we live and work in? In this issue, we want to explore a range of critical framings and interventions that understand AI as the latest wave of technological change that may be able to help or hinder us in our weird and sometimes wonderful daily grind(s), rather than as a totalizing and inevitable replacement of human existence.

In this call, we seek accounts and theorizations of research and everyday projects that carry with them a critical analysis of or intervention into the enigmatic promises of AI imaginaries. But we aim to make a larger socio-cultural contribution. We seek to critically imagine and design insightful, sustainable and joyful futures in the context of ubiquitous digital demands and possibilities, including the recent explosion of AI in our work worlds and everyday lives.

This special issue will bring together submissions across arts, humanities, visual culture, and media fields of study as well as feminist STS, critical disability, knowledge media design, research-creation, world-building and futurisms studies. We aim to generate provocations, approaches, and examples that can address the renewed racialized, gendered, colonial, economic, and geopolitical power dynamics at play in the AI context.

Topics may include but are not limited to:

– The ways in which the notion of “self” slithers in the AI context, flowing and drifting between materiality and virtuality, including melding together AI capabilities with/around/about prosthetics, digital intimacy, and affect;

– Critiquing reactive and derivative predictive models and modes of futurisms and imagining ways of looking that incorporate but go beyond foresight, “for-see,” and socially just world-building opportunities;

– How we can create meaning-making with emerging technologies, reversing the notion that technological creators do not know how technology will be used by general publics and vice-versa;

– The ways that we are already experiencing AI apathy, as forms of technological fatigue, civic disengagement, or pedagogical frustration;

– How AI operates as the latest technological “disruptor” in a digital landscape littered with the debris of its predecessors. For example, how do early adopters and artists harvest the opportunities presented by AI as a society and disciplinary “disruptor” in social and commercialized ways?

– Why and how tension is amped up through conflicts generated by open or accessible “democratic” modes of creativity and inclusion and the commercialization impetus of “Creative Industries.” For example, how can the idea of “open AI” and the operations of “Open AI” (the company) be theorized together or separately;

– Analysing the specificity of impacts of Generative AI on creativity and visual cultures in/from the Global South, potentially extending into considerations of how industrial structures are being normalized in Global North (minority) forms, reshaped by AI and emergent digital technologies;

– The potential for AI to outright kill, or by some means rekindle (sub)cultural literacies, expressions, and formats (fanfiction, social media, video, audio, publishing);

– Curatorial critiques and valorizations of AI exhibitions and artistic work, including how some tools limit or support the creative explorations of marginal artists, artistic legacies and narratives;

– The effect of AI on creative labour, how systems of cultural production and distribution inevitably privilege capital over creative workers and consumer-worker-citizens, and how active resistance to such privilege can repair and revive these fields of production and distribution

Contributions may include: research articles or manifestos (4,000-6,000 words), video essays, multimedia research-creation pieces, and exhibition and book reviews (approx. 1,500 words).

Contributions may be in English or French. Email your 500 word abstract by January 15, 2025 and/or enquiries to:

Maryelizabeth.luka@utoronto.ca
Caroline.klimek@utoronto.ca
Aline.zara@mail.utoronto.ca

Guest Edited by Mary Elizabeth (ME) Luka, Caroline Klimek, and Aline Zara, University of Toronto.

Appel à contributions : (Ré)Imaginer les interventions en IA /// Intervenir dans les imaginaires de l’IA

https://imaginationsjournal.ca/index.php/imaginations/cfps

Date limite : résumé de 500 mots à soumettre avant le 15ème janvier 2025, articles à remettre pour le 1er juin 2025

À une époque de bouleversements incessants, comment cohabitons-nous avec les avancées fulgurantes de l’intelligence artificielle, les analyses préliminaires, la panique morale et la consommation vorace de bases de données déjà oppressives et des relations sociales qui les accompagnent ? Des chercheurs se sont déjà penchés sur des questions profondes telles que le raclage éthique des bases de données et les violations de la propriété intellectuelle (Crawford 2021; Delfanti & Phan 2024; Luka & Millette 2018), les impacts environnementaux (Hogan & Lepage-Richer 2024; Valdivia 2023; MIT Technology Review Insights 2023; Torres 2024), ainsi que les interférences et augmentations dans les flux de travail (Ahmed et al 2024; Grohmann et al 2022; Khovanskaya et al 2022; Poell, Nieborg & Duffy 2022). Comment pouvons-nous imaginer et concevoir des futurs critiques et créatifs (Alcoff 2020; Nakayama & Morris 2015; Tozer et al 2023; Varon & Peña 2021) pour les artistes, activistes, chercheurs et citoyens-consommateurs-travailleurs face à ces dernières évolutions de l’IA ? Comment résistons-nous aux impulsions de (re)colonisation (Couture & Toupin 2019; Campbell & Forman 2023; Hampton 2023) dans le contexte de l’IA ? En s’appuyant sur des travaux récents (par exemple, Chan et al., 2020; Cifor et al, 2019; Coleman 2023; Lewis 2024; Ricaurte Quijano 2021; Stinson & Vlaad 2024), comment pouvons- nous imaginer la reconstruction… la re-visualisation… la réparation… le refus… des mondes dans lesquels nous vivons et travaillons ? Dans ce numéro, nous souhaitons explorer une gamme d’encadrements critiques et d’interventions qui comprennent l’IA comme la dernière vague de changement technologique, capable de nous aider ou de nous gêner dans notre quotidien étrange et parfois merveilleux, plutôt que comme un remplacement totalisant et inévitable de l’existence humaine.

Dans cet appel, nous sollicitons des récits et des théorisations de projets de recherche et du quotidien qui portent une analyse critique ou une intervention sur les promesses énigmatiques des imaginaires de l’IA. Notre objectif est toutefois de faire une contribution socioculturelle plus large. Nous souhaitons imaginer et concevoir des futurs perspicaces, durables et joyeux dans le contexte des exigences et possibilités numériques omniprésentes, y compris l’explosion récente de l’IA dans nos mondes professionnels et quotidiens.

Ce numéro spécial réunira des contributions dans les domaines des arts, des sciences humaines, de la culture visuelle et des médias, ainsi que des études féministes en STS, des études critiques du handicap, de la conception des médias du savoir, de la recherche-création, de la construction de mondes et des études du futurisme. Nous visons à générer des provocations, des approches et des exemples qui peuvent aborder les dynamiques de pouvoir racialisées, genrées, coloniales, économiques et géopolitiques renouvelées à l’œuvre dans le contexte de l’IA.

Les sujets abordés peuvent inclure, mais ne sont pas limités à :

– Les manières dont la notion de “soi” se glisse dans le contexte de l’IA, entre matérialité et virtualité, incluant la fusion des capacités de l’IA avec/à propos des prothèses, de l’intimité numérique et de l’affect ;

– La critique des modèles prédictifs réactifs et dérivés, et l’imagination de modes de regard qui incorporent mais dépassent la prévoyance, la “pré-vision” et les opportunités de construction de mondes socialement justes ;

– La façon dont nous pouvons créer du sens avec les technologies émergentes, en inversant l’idée selon laquelle les créateurs technologiques ne savent pas comment la technologie sera utilisée par les publics et vice-versa ;

– Les manières dont nous éprouvons déjà une apathie à l’égard de l’IA, sous forme de fatigue technologique, de désengagement civique ou de frustration pédagogique ;

– La manière dont l’IA fonctionne comme le dernier “disrupteur” technologique dans un paysage numérique jonché des débris de ses prédécesseurs. Par exemple, comment les premiers utilisateurs et artistes exploitent-ils les opportunités présentées par l’IA en tant que “disrupteur” sociétal et disciplinaire, de manière sociale et commercialisée ?

– Pourquoi et comment les tensions sont amplifiées par les conflits générés par les modes créatifs “démocratiques” ouverts ou accessibles et l’impulsion de commercialisation des “industries créatives”. Par exemple, comment l’idée d’“open AI” et les opérations d’“Open AI” (l’entreprise) peuvent-elles être théorisées ensemble ou séparément ?

– Les analyses portant sur la spécificité des impacts de l’IA générative sur la créativité et les cultures visuelles dans/de la région du Sud Global, potentiellement en étendant les considérations sur la manière dont les structures industrielles sont normalisées dans les formes (minoritaires) du Nord Global, remodelées par l’IA et les technologies numériques émergentes ;

– Le potentiel de l’IA à anéantir ou, d’une manière ou d’une autre, raviver les littératies, expressions et formats (fanfiction, réseaux sociaux, vidéo, audio, édition) (sous-)culturels ;

– Les critiques curatoriales et les valorisations des expositions et travaux artistiques liés à l’IA, y compris la manière dont certains outils limitent ou soutiennent les explorations créatives des artistes marginalisés, des legs artistiques et des récits ;

– L’effet de l’IA sur le travail créatif, comment les systèmes de production et de distribution culturelle privilégient inévitablement le capital au détriment des travailleurs créatifs et des citoyens- consommateurs-travailleurs, et comment une résistance active à ce privilège peut réparer et raviver ces champs de production et de distribution.

Les contributions peuvent inclure : des articles de recherche ou des manifestes (4 000-6 000 mots), des essais vidéo, des pièces de recherche-création multimédia, et des critiques d’exposition et de livre (environ 1 500 mots). Les contributions peuvent être rédigées en anglais ou en français.

Envoyez votre résumé de 500 mots avant le 15ème janvier 2025 à :

Maryelizabeth.luka@utoronto.ca
Caroline.klimek@utoronto.ca
Aline.zara@mail.utoronto.ca

Numéro dirigé par Mary Elizabeth (ME) Luka, Caroline Klimek, et Aline Zara, Université de Toronto.

Works Cited/Bibliographie:

Ahmed, I., Mim, J., Nandi, D., Khan, S., Dey, A. (2024). Impacts of Text-to-Image Generative AI Tools on Digital Image-making Practices in the Global South. Proceedings of the CHI Conference on Human Factors in Computing Systems (CHI ’24), 18 pages. https://doi.org/10.1145/3613904.3641951

Alcoff, L. M. (2020). Lugones’s World-Making. Critical Philosophy of Race 8 (1-2), 199-211.

Campbell, M.V. & Forman, M. (2023). Hip Hop Archives: The Politics and Poetics of Knowledge Production. Intellect.

Chan, L., Hall, B., Piron, F., Tandon, R., & Williams, L. (2020). Open Science Beyond Open Access: For and with communities, A step towards the decolonization of knowledge. Ottawa, Canada: Canadian Commission for UNESCO’s IdeaLab

Cifor, M., Garcia, P., Cowan, T.L., Rault, J., Sutherland, T., Chan, A., Rode, J., Hoffmann, A.L., Salehi, N., Nakamura, L. (2019). Feminist Data Manifest-No. Retrieved from: https://www.manifestno.com/.

Coleman, B. (2023). Reality Was Whatever Happened : Octavia Butler AI and Other Possible Worlds. Berlin: K. Verlag.

Couture, S., & Toupin, S. (2019). What does the notion of “sovereignty” mean when referring to the digital? New Media & Society, 21(10), 2305-2322. https://doi-org.myaccess.library.utoronto.ca/10.1177/1461444819865984

Crawford, K. 2021. Atlas of AI. New Haven: Yale University Press.

Delfanti, A., & Phan, M. (2024). Rip It Up and Start Again: Creative Labor and the Industrialization of Remix. Television & New Media, 0(0). https://doi.org/10.1177/15274764241227613

Grohmann, R., Pereira, G., Guerra, A., Abilio, L. C., Moreschi, B., & Jurno, A. (2022). Platform scams: Brazilian workers’ experiences of dishonest and uncertain algorithmic management. New Media & Society, 24(7), 1611-1631. https://doi.org/10.1177/14614448221099225

Hampton, L. M. (2023). ‘Techno-Racial Capitalism: A Decolonial Black Feminist Marxist Perspective’, in Jude Browne, and others (eds), Feminist AI: Critical Perspectives on Algorithms, Data, and Intelligent Machines (Oxford, 2023; online edn, Oxford Academic, 23 Nov. 2023), https://doi.org/10.1093/oso/9780192889898.003.0008.

Hogan, M., & Lepage-Richer, T. (2024). Extractive AI. Centre for Media, Technology and Democracy. https://www.mediatechdemocracy.com/climatetechhoganlepagericher.

Khovanskaya, V., Tandon, U., Arcilla, E., Hussein, M. H., Zschiesche, P., & Irani, L. (2022). Hostile Ecologies: Navigating the Barriers to Community-Led Innovation. Proceedings of the ACM on Human-Computer Interaction, 6(CSCW2), 1-26.

Lewis, J. E. (2024). The future imaginary. In T. J. Taylor, I. Lavender III, G. L. Dillon, & B. Chattopadhyay (Eds.), The Routledge handbook of CoFuturisms. New York: Routledge.

Luka, M.E., & Millette, M. (2018). (Re)framing Big Data: Activating Situated Knowledges and a Feminist Ethics of Care in Social Media Research. Social Media + Society, 4(2).https://doi.org/10.1177/2056305118768297

MIT Technology Review Insights. (2023). “Sustainability starts with the data center,” https://wp.technologyreview.com/wp-content/uploads/2023/11/MIT_Hitachi_FNL_111623.pdf?utm_source=pdf&utm_medium=all_platforms&utm_campaign=insights_ebrief&utm_term=11.27.23&utm_content=insights.report.

Nakayama, T.K., & Morris, C.E., III. (2015). Worldmaking and Everyday Interventions. QED: A Journal in GLBTQ Worldmaking 2(1), v-viii. https://www.muse.jhu.edu/article/575372.

Poell, T., Nieborg, D. B., & Duffy, B. E. (2022). Platforms and cultural production. Cambridge: Polity.

Ricaurte Quijano, P. (2021). Reimagining AI. Feminist AI. https://feministai.pubpub.org/pub/reimagining-ai

Stinson, C., & Vlaad, S. (2024). A feeling for the algorithm: Diversity, expertise, and artificial intelligence. Big Data & Society, 11(1). https://doi.org/10.1177/20539517231224247

Torres, E. P. (2024, June 24). AI doomers have warned of the tech-pocalypse – while doing their best to accelerate it. Salon. https://www.salon.com/2024/06/24/ai-doomers-have-warned-of-the-tech-pocalypse–while-doing-their-best-to-accelerate-it/

Tozer, L., Nagendra, H., Anderson, P. and Kavonic, J. (2023). Towards just nature-based solutions for cities. In Nature-Based Solutions for Cities, eds., T. McPhearson, N. Kabisch, & N. Frantzeskaki, pp. 29-47. Elgar. https://doi.org/10.4337/9781800376762.00011.

Varon, J. & Peña, P. (2021). Building a Feminist toolkit to question A.I. systems. Why is A.I. a Feminist Issue? Retrieved from https://notmy.ai/news/algorithmic-emancipation-building-a-feminist-toolkit-to-question-a-i-systems/.

Version française ci-bas

2025 Annual Graduate Student Conference
Cinema Studies Institute at the University of Toronto
Friday, March 14th to Sunday, March 16th, 2025

Call for Papers: EXIT SIGNS

EXIT SIGNS pose a provocative double signification. The icon signifies warning and, at the same time, evokes an imagined hidden space, a way forward, or a way out. In his 1983 essay “What is Enlightenment?,” Michel Foucault revives a question posed two centuries earlier by Immanuel Kant which attends to the political purchase of Exit (Ausgang) as a scene of decision. It is this moment of pause, which occurs before the act of choosing, which Kant originally marks as the kernel of the Enlightenment project. Indeed, beyond Foucault and Kant, the exit qua scene has been—and continues to be—seized upon by filmmakers and writers alike, who saw in this moment of transit the poignancy of the Exit Signs’ liminality. Exit Signs promise futures that are intangible and continually receding into a cascade of speculative impasses.

Cinema has long been fascinated with the Exit Sign. This rousing symbol manifests quite literally, as in the heart-pounding race towards an exit and promise of escape characteristic of the horror tradition, as well as more subtly, regarding film’s infatuation with doorways, passages, and porous architectures. In fact, one of the earliest films captures workers pouring out of a Lumière factory—a structured daily exodus constitutive of the labour practices of the Industrial Revolution. Extradiegetically, Exit Signs define the contemporaneous cinematic experience as well: the arresting red and green lights illuminated within physical theatres around the globe—the glowing anchor of reality contrasting the flashing, moving images that transport audiences. It is this Exit Sign which keeps us from complete diegetic immersion, complicating theories of spectatorial identification. When the lights come back on and audiences leave the theatre, to press on Roland Barthes’ provocations in “Leaving the Movie Theatre,” how do exits cut us out of the apparatus? Exits are themselves an integral visual backbone of the movies, while Exit Signs as a cinematic pillar can be further abstracted. In cinematic practice, spectatorship, and scholarship, Exit Signs open up new ways of thinking about presences, absences, histories, and futurities alike. This imaginative quality of cinema allows for a retracing of the past and speculation towards other, potential futures. At the same time, the Exit Sign may honour utopia’s image ban, signalling the very threshold of the knowable and thinkable, demarcating the scenes of decision that refuse to be deformed by the violence of speculation. Approached in this way, this opening up, this imaginative quality of cinema, is what the Exit Sign warns of, as it does little more than proffer reconciled histories and reassure with soothing images of desirable futures—as Adorno wrote, “as long as the world is as it is, all pictures of reconciliation, peace, and quiet resemble the picture of death.” Instead, the Exit that calls for our attention here is the open mouth of the cinema demanding things be different, yet offering nothing beyond the impenetrable horizons of negation, the only “chance of another world that is not yet.”

The Cinema Studies Institute at the University of Toronto’s 2025 Annual Graduate Conference seeks submissions that attempt to find ways out through “EXIT SIGNS.” In other words, this year’s conference, which is in collaboration with a simultaneous graduate conference, “SIGNS OF EXIT,” at the Centre for Comparative Literature at the University of Toronto, is interested in papers that address the thematic triangulation of hope, nihilism, and utopia through moving images and visual cultures. While these topics appear, at first, to bristle against one other, such contradictions are generative in their abrasiveness, and exploring their convergences and affinities are important interventions in contemporary scholarly debate. How can we understand cinema’s unique relationship to speculation, worldbuilding, and visualised potentiality? How does desire and hope, even nihilism, play into filmic conceptions of exits, escapes, forms of leaving—and to where do these openings lead? Whether it be a philosophical approach, working with a specific media object, returning to the works of thinkers like Adorno and Kant, or a creative practice that shares in this generative bristling, this year’s joint conference is eager to engage with a wide range of conceptions of exits. Perhaps it is through finding a way out that we can find a way in.

Sample topics might include but are not limited to: accelerationism; Afropessimism; apocalyptic and postapocalyptic imaginaries; capitalist realism; continuities and discontinuities; cruel optimism; decline and decadence; desire, eroticism, and eros; escapist media; fugitivity, ungovernability, and lines of flight; futurities; hapticality, or being in the hold; hope and progress; lack and absence; migration and diaspora; narrative endings, closures, and resolutions; negation and the dialectic; nihilism; nostalgia; opacity, withdrawal, and disappearance; order and disorder; othering, difference, and alterity; postcolonial and decolonial theories; potentialities; queer futurity and the antisocial thesis; reform, revolution, and revolt; static vs. dynamic time; sustainability and durability; the event and its depictions; the restorative, transformative, and reparative; the thinkable and unthinkable; the undercommons; truth and reconciliation; utopia and dystopia.

Conference format: This conference takes place in a unique format as a collaboration with a simultaneous graduate conference, “SIGNS OF EXIT,” at the University of Toronto’s Centre for Comparative Literature. You may apply to either “EXIT SIGNS” or “SIGNS OF EXIT,” but not both. In an effort to provoke an interdisciplinary inquiry into exit, certain thematic panels will include participants from both cinema studies and comparative literature. Presenters will have 15-20 minutes to share papers, followed by a moderated question period. The working languages will be English and French. Submission details: We welcome English and French submissions from independent scholars and graduate students worldwide. Please submit a brief abstract (300-500 words) and a short bio of 50-100 words to csgraduatestudentunion@gmail.com by December 15, 2024. Submissions should include full name, preferred pronouns, level of study, name of institution (if applicable), title, abstract, bio, and a 3-5 item bibliography. Notification of acceptance will be sent out by the end of January.

Any questions should be addressed to csgraduatestudentunion@gmail.com.

We look forward to receiving your abstracts and welcoming you to the University of Toronto this spring!

Best wishes,
Cinema Studies Graduate Conference Coordinators

Appel à Contributions: EXIT SIGNS

EXIT SIGNS (les enseignes de sortie) constituent une double contrainte provocante. L’icône signifie un avertissement et, en même temps, évoque un espace caché imaginé, une voie à suivre, ou une issue. Dans son essai de 1983 intitulé « Qu’est-ce que les Lumières ? », Michel Foucault reprend une question posée deux siècles plus tôt par Emmanuel Kant portant sur l’enseigne de sortie (Ausgang) en tant que scène de décision politique. Il s’agit de ce moment de pause, qui précède l’acte de choisir, que Kant considère à l’origine comme étant le coeur du projet des Lumières. En effet, au-delà de Foucault et de Kant, la sortie en tant que scène a été—et continue d’être—saisie par les cinéastes tout comme les écrivains, qui ont vu dans ce moment de transit le caractère poignant de la liminalité de ces signaux. Ceux-ci promettent des futurs qui sont intangibles et qui s’éloignent continuellement dans une cascade d’impasses spéculatives.

Les cinéastes sont depuis longtemps fascinés par l’enseigne de sortie. Ce symbole exaltant se manifeste littéralement, comme dans la course effrénée vers une sortie et une promesse d’évasion qui définit la tradition de l’horreur, mais aussi plus subtilement, dans l’engouement du cinéma pour les portes, les passages et les architectures poreuses. En fait, l’un des premiers films montre des ouvriers se déversant d’une usine Lumière—un exode face à la révolution industrielle. D’un point de vue extradiégétique, les indications de sortie définissent également l’expérience de regarder un film. Il suffit de penser aux lumières rouges et vertes qui illuminent les salles de cinéma du monde entier—le seul point d’ancrage à la réalité— alors que les images animées et clignotantes transportent le public. C’est le signal de sortie qui nous empêche de nous immerger complètement dans la diégèse, compliquant ainsi les théories de l’identification spectatorielle. Lorsque les lumières se rallument et que les spectateurs quittent le cinéma, comment les sorties, souligné dans « En sortant du cinéma » par Roland Barthes, nous coupent-elles de l’expérience cinématographique ? Les sorties sont elles-mêmes un élément visuel essentiel des films. De plus, l’enseigne de sortie en tant que pilier cinématographique peut être considérée de manière encore plus abstraite. Que ce soit dans la pratique cinématographique, le fait d’être spectateur ou la recherche, ces signaux ouvrent de nouvelles voies de réflexion sur les présences, les absences, l’histoire et l’avenir. Cette qualité imaginative de la cinématographie permet aux spécialistes du cinéma de retracer le passé et de spéculer sur l’avenir. En même temps, le panneau de sortie peut honorer l’interdiction d’image de l’utopie, signalant le seuil même du connaissable et du pensable, délimitant les scènes de décision qui refusent d’être déformées par la violence de la spéculation. Abordée de cette manière, cette ouverture, cette qualité imaginative du cinéma, est-ce que le Panneau de Sortie met en garde, car il ne fait guère plus que proposer des histoires réconciliées et rassurer avec des images apaisantes de futurs désirables—comme Adorno écrit, « à condition que le monde reste le même, toutes les images de réconciliation, paix et silence est aussi une image de la mort ». Au lieu de cela, la Sortie qui appelle notre attention ici est la bouche ouverte du cinéma exigeant que les choses soient différentes, mais n’offrant rien au-delà des horizons impénétrables de la négation, la seule « possibilité d’un monde qui n’existe pas ».

À l’occasion de l’édition 2025 du colloque des étudiants diplômés, le Cinema Studies Institute à l’Université de Toronto recherche des propositions qui tentent de trouver des moyens de sortir. En d’autres termes, nous nous intéressons aux articles traitant de la manière dont l’espoir, le nihilisme et les utopies interagissent thématiquement par l’entremise des images et des cultures visuelles. Bien que ces themes semblent, à première vue, antithétiques, l’exploration de leurs convergences et de leurs affinités constitue une intervention importante dans le débat scientifique contemporain. Qu’en est-il de la relation unique du cinéma avec la spéculation, la construction des mondes et la capacité de visualiser des possibilités ? Comment le désir et l’espoir jouent-ils un rôle dans la conception cinématographique des sorties, des évasions, des formes de départ—et où ? Qu’il s’agisse d’une approche philosophique, d’un retour au travail de Adorno et de Kant, d’un examen d’un objet textuel spécifique, ou même d’une pratique créative de construction, nous sommes empressés à interagir avec un large éventail de conceptions des sorties. C’est peut-être en trouvant une issue que l’on peut trouver une voie d’accès. Les sujets peuvent inclure, mais ne sont pas limités : accélérationnisme; Afro- pessimisme; altérité et différence; clôtures et résolutions; continuités et discontinuités; « cruel optimism »; décliner et décadence; désir; érotisme et éros; durabilité; l’événement et ses représentations; l’espoir et progrès; études décoloniales; fugitivité et ingouvernabilité; futurités; hapticité; imaginaires apocalyptique et postapocalyptique; médias d’évasion; migration et diaspora; nihilisme; nostalgie; opacité et disparition; ordre et désordre; le pensable et l’impensable; pénurie et absence; potentialités; le réalisme capitaliste; réforme, révolution et révolte; le refus et la dialectique; les sous-communs; temps statique et dynamique; théories des archives; théorie queer; la transformation et la réparation; les utopies et dystopies; vérité et réconciliation.

Format de la conférence : Cette conférence se déroule dans un format unique en collaboration avec une conférence de diplômés simultanée, « SIGNS OF EXIT », au Centre for Comparative Literature de l’Université de Toronto. Vous pouvez postuler soit à « EXIT SIGNS », soit à « SIGNS OF EXIT », mais pas les deux. Dans le but de susciter une enquête interdisciplinaire sur la sortie (exits), certains panels thématiques incluront des participants des études cinématographiques et de la littérature comparée. Les présentateurs disposeront de 15 à 20 minutes pour partager leurs travaux, suivies d’une période de questions modérée. Les langues de travail seront l’anglais et le français.

Nous acceptons des soumissions francophones et anglophones d’étudiants aux cycles supérieurs et chercheurs indépendants de partout dans le monde. Les parties intéressées doivent soumettre un bref résumé (300-500 mots), ainsi qu’une brève biographie de 50-100 mots à csgraduatestudentunion@gmail.com jusqu’au 15 décembre 2024. Les acceptations de la conférence seront envoyées avant la fin de janvier. Toute question doit être adressée à csgraduatestudentunion@gmail.com.

Nous avons hâte de recevoir vos résumés et de vous accueillir à l’Université de Toronto ce printemps !

Cordialement,
Coordinateurs de la conférence des études cinématographiques

Call for Papers
5th Spiral Film and Philosophy Conference

“Rise of the Machines”

Toronto, Canada

May 23-24, 2025

Recent breakthroughs in generative AI technology have once again drawn attention to cinema’s ongoing identity crisis. In the digital epoch, under what Davide Panagia calls the algorithm dispositif or what Shane Denson refers to as post-cinema, we increasingly encounter moving images that are preformatted for our consumption by artificial metabolic processes beyond human understanding. Where once computers seemed to serve as tools of communication, information processing and entertainment, ushering in an era of liberation for humanity from needless toil, some now fear the overtaking of human intellect by autonomous artificial thought. Critics of AI contend that with the rise of “intelligent” machines that mediate our view of the world we become interpassive subjects (Robert Pfaller) that delegate our cognitive and emotional labour: AI driven algorithms shape the social and political sphere in our staid. Without the ability to experience the world for ourselves, these algorithms and machines are poised to carry the burden of our former humanity.

There are some resonances in such concerns with earlier arguments in film theory about the ways that the cinematographic apparatus (Jean-Louis Baudry, Christian Metz) constructs and positions spectators as passive viewing subjects within the dominant ideology. On the other hand, classical film theorists like André Bazin and Stanley Cavell once praised the cinema precisely for its ability to reproduce the world automatically, showing us a proof of the reality outside our mind’s biased projections – a necessary condition for any democratic society. Similarly, Walter Benjamin believed in the power of cinema’s machinery to reveal the optical unconscious of modern mass societies and thereby counter the alienation and atomization produced by industrial capitalism.

A question emerges: Is AI-mediated post-cinema still for a human audience or is the target of its uncanny images the machine vision of what Daniel Chavez Heras calls computational spectatorship?

Similarly, are Silicon Valley technocrats dreaming of total digital surveillance in the metaverse the extenders of democracy, or they the harbingers of a techno-feudalism that subjugates connectively mutated neuro-workers (Franco Berardi)?

In the end, are human beings the authors, actors and agents of the post-cinematic age or are they losing their autonomy to the automatic subjectivity of capital (Karl Marx) taking a cinematic form?

For the 5th edition of the Spiral Film and Philosophy Conference, we welcome contributions from scholars, artists and practitioners for 20 minute presentations on cinema and automation, machines and artificial intelligence including (but not limited to) topics like:

• Algorithmic cinemas • Animation and AI and/or Automation • Science fiction and AI • Surveillance and cinema • The old/new crisis of cinema • Interpassivity vs. interactivity • Techno-feudalism as paradigm • The cinematic mode of production • Machine vision in cinema and media • Neuro-work and connective mutation • Post-cinema and discorrelated images • Cybernetics and moving image media • Legacies of utopian and dystopian modernisms • Interface, screens (e.g., Galloway: Interface Effect) • Human vs. non-human agency in moving image media • Military applications of AI linked to cinema and gaming • Legacies of automatism (Surrealism, Cavell) in film and theory • The “reality-based community” and investments in observational media • Marx’s “Fragment on Machines” and its relevance to film and media theory • The “intimacy” of AI and devices in everyday life consumption of moving images • Sex Machines / Macho Machines (sexuality, gender, and machines in visual culture)

Our confirmed Keynote Speaker is Shane Denson, Professor of Film and Media Studies in the Department of Art & Art History, Stanford University. Denson is the author of Post- Cinematic Bodies (meson press, 2023), Discorrelated Images (Duke University Press, 2020), Postnaturalism: Frankenstein, Film, and the Anthropotechnical Interface (Transcript-Verlag/ Columbia University Press, 2014) and co-editor of Post-Cinema: Theorizing 21st-Century Film (REFRAME Books, 2016), Digital Seriality (special issue of Eludamos: Journal for Computer Game Culture, 2014) and Transnational Perspectives on Graphic Narratives (Bloomsbury, 2013).

The conference will be held in Toronto, Canada at OCAD University on Friday, May 23 and Saturday, May 24, 2025.

Please send a 350-word abstract, bibliography (5 max.), 5 keywords, and short biography (with institutional affiliation, if applicable) in ONE DOCUMENT as an EMAIL ATTACHMENT
to spiralfilmphilosophy@gmail.com by Feb. 15, 2025. Notice of acceptance or rejection will be sent promptly via email.

Conference Registration Fee:
Conference Attendance: $120 (Canadian) Graduate Students and Underemployed: $60 (Canadian)
Conference Website: spiralfilmphilosophy.ca
Facebook:@spiralphilosophy
For inquiries contact: spiralfilmphilosophy@gmail.com

Organized by:
The Spiral Collective
in collaboration with
Visual and Critical Studies program, Faculty of Arts & Science, OCAD University York University

Call for Papers
(version française ci-bas)

Special issue of Canadian Journal of Film Studies/ Revue Canadienne d’études cinématographiques
Crawley Films and the Mid-Century Industry and Imagination of Canadian Sponsored Media

Issue editors, Charles Acland (c.acland@concordia.ca) and Liz Czach (liz.czach@ualberta.ca)

Ottawa-based Crawley Films was a prolific and award-winning private film producer for decades. Working in multiple genres, its films shaped the audiovisual landscape of Canadian schools, workplaces, community halls, and television. This special issue of CJFS/RCEC seeks historical research that examines the impact and significance of Crawley Films’ government- and corporate-sponsored productions. With a non-exclusive focus on 1945-1975, we are especially interested in research that deals with under-appreciated titles. While the focus may be on specific films, essays can be about distribution, production, exhibition, or any media format. Topics may include institutionally-situated studies of representation and discourses of gender, sexuality, Indigeneity, colonialism, extractivism, and modernity. Our aim is to use Crawley Films as a point of departure for a critical discussion of the cultural formations – and the associated hierarchies and exclusions – of mid-century Canada.

Submissions can take the form of short scholarly essays (3,500-4,500 words including citational apparatus) as well as archival materials or other creative interventions with Crawley Films that might be suitable for the journal’s Ciné-Forum section.

Proposals should be approximately 300 words, accompanied by a short bio, and a bibliography.

Please send proposals to Charles Acland (c.acland@concordia.ca) and Liz Czach (liz.czach@ualberta.ca) by December 2, 2024

Accepted proposals will be notified by December 9, 2024

Completed essays will be due March 3, 2025

Appel à contributions

Numéro special: Canadian Journal of Film Studies/ Revue Canadienne d’études cinématographiques
Crawley Films et l’industrie du milieu du siècle et l’imagination des médias publicitaires canadiens

Rédacteurs du numéro, Charles Acland (c.acland@concordia.ca) et Liz Czach (liz.czach@ualberta.ca)

Crawley Films, d’Ottawa, a été un producteur de films privé prolifique et primé pendant des décennies. Travaillant dans de multiples genres, ses films ont façonné le paysage audiovisuel des écoles, des lieux de travail, des salles communautaires et de la télévision canadiennes. Ce numéro spécial du CJFS/RCEC recherche des études historiques qui examinent l’impact et la signification des productions de Crawley Films parrainées par le gouvernement et les entreprises. En nous concentrant non exclusivement sur la période 1945-1975, nous nous intéressons particulièrement aux recherches portant sur des titres sous-estimés. Bien que l’accent puisse être mis sur des films spécifiques, les essais peuvent porter sur la distribution, la production, la projection, ou tout autre format médiatique. Les sujets peuvent inclure des études institutionnelles sur la représentation et les discours sur le genre, la sexualité, l’indigénéité, le colonialisme, l’extractivisme et la modernité. Notre objectif est d’utiliser Crawley Films comme point de départ pour une discussion critique sur les formations culturelles – et les hiérarchies et exclusions associées – du Canada du milieu du siècle.

Les soumissions peuvent prendre la forme de courts essais scientifiques (3 500 à 4 500 mots, appareil de citation compris) ainsi que de documents d’archives ou d’autres interventions créatives avec Crawley Films qui pourraient convenir à la section Ciné-Forum de la revue.

Les propositions doivent contenir environ 300 mots, accompagnées d’une courte biographie et d’une bibliographie.

Veuillez envoyer vos propositions à Charles Acland (c.acland@concordia.ca) et Liz Czach (liz.czach@ualberta.ca) d’ici le 2 décembre 2024.

Les propositions acceptées seront notifiées avant le 9 décembre 2024
Les essais terminés seront rendus le 3 mars 2025