CANADIAN JOURNAL OF FILM STUDIES /
REVUE CANADIENNE D'ÉTUDES CINÉMATOGRAPHIQUES
Volume 6, No. 2 Abstracts / Résumés
Janet Staiger: The Romances of the Blonde Venus: Movie Censors Versus Movie Fans
Cet article poursuit un travail récent de revision des études portant sur la censure, en allant au-delà de l'argument textuel qui prétendque le spectateur peut interpréter une oeuvre ambiguë de plusieurs façons. Utilisant comme exemple le film controversé Blonde Venus, l'auteur montre que les spectateurs ayant accès a l'information contextuelle concernant les aventures amoureuses de Marlene Dietrich pouvaient lire le film de facon plus progressiste que ce que les censeurs auraient pu imaginer. Plutôt que de n'apprecier le film qu'en tant que "mélodrame maternelle" (dans lequel la femme est victime), les admirateurs de Dietrich au courant des potins sur ses amitiées extra-conjugales peuvent y voir une représentation de la "femme comme sujet désirant." Cet interprétation implicite est rendue explicite par la lecture de la courte adaptation du récit disponible par l'intermédiaire du studio, récit faisant la promotion de l'ideé que les femmes peuvent aimer plus d'unhomme à la fois. Les admirateurs et le studio pouvaient donc circonvenir la censure s'ils souhaitaient subvertir l'idéologie dominante.
This essay continues recent revisions of scholarship about censorship by going beyond textual argumentation that claims readers can interpret ambiguous films in various ways. Using the case of the controversial film Blonde Venus, the author shows that contextual information about the affairs of Marlene Dietrich could be used by fans to read the film in a more progressive way than the regulators would have wished. Rather than understanding the film as a "maternal melodrama" (and woman as victim), fans knowledgeable about Dietrich's alleged extra-marital friendships might interpret it as a film about woman-as-desiring-subject. Moreover, this latter interpretation is explicitly possible if a fan were to read the short story adaptation of the plot available from the studio, a story that promotes the idea that women might love more than one man at a time. Thus the goals of the regulators were easily circumvented by fans and the studio if they were interested in subverting the approved ideology.
Paul Coates: Protecting the Exotic: Atom Egoyan and Fantasy
This article revolves around the role of fantasy in Atom Egoyan's Exotica, focussing on the ways in which its montage and mise-en-scene implant fantasies in the viewer, some confirmed and some disconfirmed. A thematic analysis of the film devotes particular attention to the relationship between the idea of protection and that of the exotic, the status of Egoyan's discourse on race, the relationship between the fetish-object (Christina's uniform) and the video technology more prominent in Egoyan's earlier films, the character of the work's mourning, and its thematization of the dangers both of looking and attending to the disembodied voice. The article also touches on its destabilization of the ownership of memory to create a collective subject, its multilayered problematization of the idea of "home," and its possible relationship with the philosophy of Jean-François Lyotard.
Cet article traite du rôle du phantasme dans Exotica d'Atom Egoyan, plus particulièrement de l'utilisation du montage et de la mise en scène pour inculquer chez le spectateur une affirmation ou un négation du phantasme. Notre analyse thématique décortique les liens entre l'idée de la protection et celle de l'exotisme, ainsi queles relations entre l'objet fétiche (le costume de Christina) et la technologie vidéo, plus présente dans les premières oeuvres du cinéaste. L'article examine aussi le discours d'Egoyan sur la race, sur l'effet du deuil et sur les dangers du voyeurisme et de l'attention portée la voix désincarne. De plus, nous abordons les questions de l'appartenance de la memoire qui crée la subjectivité collective, de la problématique du concept de "chez soi" et du lien possible entre le film et la philisophie de Jean-François Lyotard.
R.K.A. Kilbourn: Toward a Non-Euclidean Cinema: Kieslowski and Literature
This article explores the intertextual relation between Kieslowski's Double Life of Veronique and two primary literary texts: a brief passage from the beginning of the second canto of Dante's Paradiso, and Heinrich von Kleist's essay "Uber das Marionettentheater." Kieslowski admits to the final failure of the inherently visual medium of film to conjure the figurative effects that what he calls "Great Literature" achieves with nothing but words. Although Western narrative tells or shows a great deal, often what is most significant is what is withheld, or what is "told" or "shown" negatively. With film, there is a tendency to look for "meaning" in its surface texture, to judge only what is visible, to read "literally." Kieslowski combines this attribute of film with a highly "literary" reticence: a negative dimension, unrepresented but determinable. The viewer must quite literally read Kielsowski's films. This article proposes to examine the construction of Veronique's doubled character on the analogy of Dante's pilgrim's soul journeying toward the perimeter of rationally conceived experience; a point or moment figured on the same lines as Kleist's quasi-metaphysical, non-Euclidean geometry. Its more general purpose will be to argue for and demonstrate the peculiar relation of Kieslowski's cinema and these disparate literary works, as a framework for a meditation on the subject's relation to death and the infinite.
Cet article examine l'intertextualité entre La double vie de véronique de Krzysztof Kieslowski et ses deux sources littéraires principales, c'est-à-dire, un bref passage de la deuxième cantate du Paradis de Dante et l'essai "Uber das Marionettenheater" de Heinrich von Kleist. Kieslowski admet que le cinéma ne peut conjurer ce que la "grande litterature," comme il l'appelle, évoque en n'ayant recours qu'aux simples mots. La prose occidentale peut être bavarde, mais elle transmet souvent son sense véritable par ce qui n'est pas dit, ou ce qui est dit ou montré négativement. Dans le cas du cinéma, on a généralement tendance à chercher le "sens" dans la "texture" superficielle, à ne juger que ce qui est visible. Kieslowski joint cet aspect du cinéma à une réticence hautement "littéraire," une dimension négative, non-représentée mais déterminable. Le spectateur doit donc lire littéralement le film de Kieslowski. Cet article propose d'interpréter la double caractérisation de Véronique en tant qu'analogie du pélerin de Dante dont l'âme approche le périmètre de l'expérience conçue rationnellement, une structure semblable à la géométrie quasi métaphysique et non euclidienne de Kleist. De façon plus générale, l'article examine la relation particuliére que le cinéma de Kieslowski entretient avec ces oeuvres littéraires variées dans le cadre d'une méditation sur les liens qui existent entre le sujet, la mort et l'infin.
Malek Haltof and Donald Smith: An Aborted Revolution, A Stillborn Generation: Generational Politics and Gender Relations in Pter Goth r's Time Stands Still
This article discusses Péter Gothár's Time Stands Still, one of the best political films made in East-Central Europe. The film presents a dark, nightmarish, yet ironically nostalgic vision of the 1956 Uprising in Hungary and its aftermath, and of the youth rebellion against the existing political system and gender relations in Hungarian society. Péter Gothár's film, often compared to American Graffiti, incorporates the theme of sexual awakening with a generational political awakening. All the major characters in the film are viewed as representatives of differing ideological positions in Hungarian society.
Cet essai porte sur le film de Péter Gothár Time Stands Still, l'une des meilleures oeuvres politiques produites en Europe centrale. Cette fresque sombre et cauchemardesque mais ironiquement nostalgique traite de l'insurrection hongroise de 1956 et de ses effets, ainsi que du soulvément des jeunes gens contre l'ordre établie aussi bien au niveau de la politique hongroise qu'au niveau des relations homme-femme. Le film de Gothár, souvent comparé à American Graffiti, joint le thème de l'éveil sexual à celui de l'éveil politique . Tous les personnages principaux du film représentent différentes positions idéologiques dans la société hongroi.
Scott MacKenzie: The Missing Mythology: Barthes in Quebec
To introduce the translation which follows, this article examines Roland Barthes' collaboration with Hubert Aquin in the production of Le Sport et les hommes. In addition to filling a gap in the history of documentary fimmaking at the NFB/ONF, the author (and translator of Barthes' text) offers new insights into Barthes' interest in sport-as-filmed-spectacle.
Cet article, qui introduit la traduction ci-dessous, examine le travail de collaboration de Roland Barthes et Hubert Aquin sur le film Le Sport et les hommes. En plus de combler une lacune dans l'histoire du documentaire à l'ONF/NFB, l'auteur (qui a traduit le texte de Barthes) offre une nouvelle lecture de l'intérêt particulier que Barthes voue au sport-comme-spectacle-film