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Film and Media Studies Association of Canada (FMSAC) Graduate Colloquium

Carleton University Film Studies Friday March 10 – Saturday March 11, 2023 (In-Person)

Call for papers: “FAMILIAR STRANGER”

Submission Deadline: February 10th, 2023

Event Date: Friday, March 9th, and Saturday, March 10th, 2023
Format: In-person at Carleton University
Presentation Length: 15-20 minutes
Contact Email:

“You could say I have lived, metaphorically speaking, on the hinge between the colonial and post-colonial worlds; because of radically changing locations, I have belonged, in different ways, to both at different times of my life, without ever being fully of either” 
(Stuart Hall, Familiar Stranger: A Life Between Two Islands, p.11) 

From the ongoing injustices related to race, gender and sexuality, continued colonial violence and renewed and reinvigorated gestures towards sovereignty to the fundamental changes brought on by an increasingly digital and remote post-pandemic state of the world and mind, recent years have felt like both becoming a stranger in a familiar place with the familiar itself becoming strange. These new times we find ourselves in have indeed impacted the ways in which we gather, research, make, consume and conserve art, affecting how we see the world and ourselves in it. The state of in-betweens, or the simultaneous existence between the familiar and the strange, seems to resonate as a frame for contemplating the conditions of our milieu, which continue to affect cinema and media and their study. 

The colloquium’s thematic throughline is fueled by the legacy of Stuart Hall, an undeniable force, a multi-decade-spanning, discipline-defining, and defying cultural theorist, sociologist, and political activist. Critiques of discourses of race and racism are among his most important work and remain essential tools with which to probe the resurgence of nationalist and nativist divides. His memoir, Familiar Stranger: A Life Between Two Islands, reflects on being “the last colonial subject” and offers the provoking observation of always existing in the in-betweens. One of the key dimensions of Hall’s work was his uncanny ability to put his finger on the pulse of the times, even theorizing the concept of “new times.” Hall and his contemporaries, including Raymond Williams, formed the practice of cultural studies through their attention to transience and shaping spatial and temporal reconfigurations of the now: this conference asks, how does Hall’s (and Williams’) work help us to think and rethink our times? Could in-between-ness itself be the new structure of feeling in a “proto post-pandemic era”? Objects of inquiry impacted by their work and invited for discussion in this conference include film, media, formulations of identity, migration and diaspora studies, sociology, post-structuralism, semiotics, critical race theory, feminism, Marxism, postcolonialism, gender and other interdisciplinary nodes.

Hall’s famous proposition that cultural identity is in an infinite state of production inspires cultural perspectives on the object of film. How is the in-between-ness of culture negotiated in filmic representation? How might film itself be in a state of in-betweenness? How has the production, exhibition, circulation, reception, and archiving of film and media objects struggled with in-betweens of where film can be made, seen, experienced and preserved? This conference also asks participants to consider the following questions: in what ways are we strangers in familiar places, or re-familiarizing ourselves in spaces that have become strange? How is the experience of in-betweenness rendered in filmic practices? How is cinema, too, a state of in-between-ness?

Presentations that engage with the legacies of Stuart Hall and other theorists of the Birmingham School directly are welcomed, although not required.

Sample topics may include but are not limited to: 

  • Interdisciplinarity 
  • Diaspora 
  • Migration 
  • Marginalization 
  • Gender and Queer studies 
  • Streaming and evolving media landscape 
  • Identity and representation 
  • Postcolonial, decolonial, anticolonial ways of thinking 
  • Film programming, curating, archiving 
  • Stuart Hall/cultural identity 
  • Raymond Williams/structures of feeling 
  • Systemic violence/legacies of violence 
  • Legacies of film history and historiographic film scholarship/methods

Submissions: Interested graduate students can submit a brief abstract (up to 350 words) as a PDF file in English by February 10th, 2023, to
Submissions should include the following information: 

  • Your name 
  • Level and program of study 
  • Name of your University 
  • Title of your presentation 
  • Abstract 
  • Short bibliography (3 to 5 sources) 
  • 3-5 keywords in your research 

The 24th Annual FSAC Graduate Colloquium will be taking place on February 18th and 19th over Zoom, co-hosted by the Cinema Studies Graduate Student Union at University of Toronto and the Graduate Film Student Association at York University.

Please find attached our full schedule, with a slate of panelists from across the globe. We are also proud to welcome Kemi Adeyemi from the University of Washington, who will deliver our keynote presentation on February 18th, entitled “On Black Apathy.”

The link to join the Zoom Webinar has been shared to the FSAC listserv. If you have not received it or if you want to request access to the event, please reach out to



The following is a Call for Papers for the 24th Annual Film Studies Association of Canada Graduate Colloquium, co-hosted by the University of Toronto and York University, to take place online on 18/19 February 2022. Submission guidelines are outlined below.

(Version française ci-bas)

CFP: Altered States

Nothing exists that doesn’t have this senseless sense – common to flames, dreams, uncontrollable laughter – in those moments when consumption accelerates, beyond the desire to endure.

– Georges Bataille, The Impossible

But there is another way of going to the movies… by letting oneself be fascinated twice over, by the image and by its surroundings… ready to fetishize not the image but precisely what exceeds it>: the texture of the sound, the hall, the darkness, the obscure mass of the other bodies, the rays of light, entering the theatre, leaving the hall; in short, in order to distance, in order to ‘take off,’ I complicate a ‘relation’ by a ‘situation.’


The experience of an altered state requires some sort of excess, where things become too much and the line between pleasure and pain is blurred. In political terms, to alter or revolt against the state implies an excess of action and affect, towards a possible change in the order of things. Faced with the disintegration of our institutions, ongoing environmental degradation, and endemic colonial and racial violence, we risk falling into cynicism and a fatalistic acceptance of dissolution and collapse. Meanwhile, a surreal feeling pervades as the pandemic confines us to our ‘private’ spaces amidst ongoing digitization that frustrates any sense of a public/private divide. When do film and media catalyze altered states, in their many iterations? How can media that resists conventional form destabilize our perception? What does it mean to be altered by another or by an experience?

While the theme of altered states immediately invites questions of interiority and subjectivity, we welcome submissions that work through a wide range of media and methodologies, including psychoanalytic and affect theories to new media analyses of state-generated impingements. How can we realize Barthes’ evocation of the potential for cinema and media to “fascinate us twice over, by the image and by its surroundings?” Vivian Sobchack famously asks us to consider the correspondence between cinematic representation and embodied perception, naming coenaesthesia “the potential and perception of one’s whole sensorial being.” Moving beyond

representation, Scott Richmond takes up the possibility for fascination and dis/re-orientation and conceives of cinema as an aesthetic technology where the intentional object is the spectator’s body, making illusions and hallucinations central to cinema’s modulation of perception.

Scholars of gender and technology like Donna Haraway describe this increasing imbrication of subjective experience and technology under capitalism as “an imaginative resource” and a potential site for the transformative potential necessary to surmount our seeming impasse. When thinking through ways of “staying with the trouble,” Frank B. Wilderson III might suggest an improvisational imperative, so as “to stay in the hold of the ship, despite fantasies of flight.” Historically, moving image makers have navigated the use of technology for resistance and decolonization. Following Walter Benjamin, it is “only when in technology body and image so interpenetrate that all revolutionary tension becomes bodily collective innervation, and all the bodily innervations of the collective become revolutionary discharge.” Revolutionary Third Cinema manifesto authors Fernando Solanas and Octavio Getino place anti-imperialism at the “service of life itself, ahead of art; dissolve aesthetics in the life of society: only in this way, as [Frantz] Fanon said can decolonization become possible.” As Dziga Vertov urges, “WE believe that the time is at hand”!

While altered states of consciousness may initially evoke subjective experiences, these modes are deeply relational. We hope to draw upon recent approaches from Black and Indigenous studies, queer and trans studies, and other decolonial perspectives to address altered states through an intersectional lens. As such, we invite papers from film and media studies, visual studies, and other related fields. In addition to traditional conference presentations, we welcome video essays and other writerly and artistic explorations of our theme.

Keynote: Kemi Adeyemi (University of Washington)

Sample topics might include, but are not limited to:

  • Abstraction and experimentation
  • Abjection
  • Abeyance, liminality, thresholds
  • Blackness and ontology
  • Consciousness and simulation
  • Deleuzoguattarian becomings
  • Governmentality and surveillance
  • Gender and sexuality
  • (Im)possibility
  • Indigeneity and Indigenous futurisms
  • Mental health in moving images
  • Mysticism & the occult
  • Noise, (in)coherence, and sonic affect
  • Perception and hallucination
  • Relationality and entanglement
  • Revolutionary cinema
  • Substances, psychedelics, and repetitive impulses
  • Transgressing boundaries between inside and outside, self and other, subject and object


We welcome English and French submissions from independent scholars and graduate students worldwide. Interested parties must submit a brief abstract (300-500 words) and a bio of 50-100 words to by 17 December 2021.

Submissions should provide the following information:

  • Name
  • Level of study and name of institution (if applicable)
  • Title
  • Abstract/Bio
  • 3-5 item bibliography



La présente est un appel à contribution pour la 24e conférence annuelle des cycles supérieurs de l’Association canadienne d’études cinématographiques, co-présenté par l’Université de Toronto et l’Université York, qui se tiendra virtuellement les 18 et 19 février 2022. Les conditions de soumissions sont décrites ci-dessous.

Appel à contributions: États Altérés

Rien n’existe qui n’ait ce sens insensé – commun aux flammes, aux rêves, aux fous-rires – en ces moments où la consumation se précipite, au-delà du désir de durer.

– Georges Bataille, L’Impossible

Mais il est une autre manière d’aller au cinéma… en s’y laissant fasciner deux fois : par l’image et par ses entours… prêt à fétichiser, non l’image, mais précisément ce qui l’excède : le grain du son, la salle, le noir, la masse obscure des autres corps, les rais de la lumière, l’entrée, la sortie : bref, pour distancer, « décoller », je complique une relation par une « situation ».

– Roland Barthes, « En sortant du cinéma »

L’expérience d’un “état altéré” requiert une sorte d’excès où les choses deviennent trop et où la ligne entre le plaisir et la douleur devient ténue. En termes politiques, se révolter contre l’état (ou tenter de l’« altérer ») implique un excès d’action et d’affect vers un changement possible dans l’ordre des choses. Devant la désintégration de nos institutions, la dégradation continue de l’environnement, et l’endémie d’une violence coloniale et raciale, nous risquons le cynisme et l’acceptation fatale de la dissolution et de l’effondrement. Pendant ce temps, un sentiment surréel s’installe alors que la pandémie nous confine à des espaces « privés », durant une période où le numérique empêche la distinction même du public et du privé. Quand est-ce que le cinéma et les autres médias catalysent les états altérés, dans leurs différentes déclinaisons? Comment est-ce que les différents textes, dans leur résistance aux formes conventionnelles, déstabilisent notre perception? Qu’est-ce que signifie une forme d’état altéré provoquée par autrui, ou par une expérience?

Bien que le thème d’un état altéré invite immédiatement des questionnements d’intériorité et de subjectivité, nous accueillons des soumissions qui engagent un vaste éventail de médias et de méthodologies, des théories psychanalytiques et affectives aux analyses des nouveaux médias face à l’ingérence de l’état. Comment pouvons-nous réaliser le potentiel du cinéma à nous fasciner « deux fois : par l’image et par ses entours », comme l’évoque Barthes? Vivian Sobchack nous demande notoirement de considérer la correspondance entre la représentation cinématographique et la perception incarnée, nommant la coenesthésie « le potentiel et la perception de notre propre être sensoriel ». Allant au-delà de la représentation, Scott Richmond engage la possibilité de la fascination et de la dés/ré-orientation et conçoit le cinéma en tant que technologie esthétique qui a pour objet intentionnel le corps même du spectateur, faisant de l’illusion et de l’hallucination une partie intégrante de la modulation perceptive engendrée par le cinéma.

Les recherches à l’intersection du genre et de la technologie, comme les travaux de Donna Haraway, décrivent la croissante imbrication de la technologie et de l’expérience subjective sous le capitalisme en tant que « ressource imaginative », ainsi que comme un site de transformation potentiel nécessaire pour surmonter notre apparente impasse. En pensant à des façons de « vivre avec le trouble », Frank B. Wilderson III suggérerait sans doute une impérative d’improvisation, de façon à « rester dans la cale du navire, malgré les fantaisies de fuite ». Historiquement, les faiseurs d’images animées ont exploré l’utilisation de la technologie à des fins de résistance et de décolonisation. Selon Walter Benjamin, c’est seulement « lorsque le corps et l’espace d’images s’interpénétrent en elle [la collectivité] si profondément que toute tension révolutionnaire se transformera en innervation du corps collectif, toute innervation corporelle de la collectivité en décharge révolutionnaire, alors seulement la réalité sera parvenue à cet autodépassement qu’appelle le Manifeste communiste ». Les auteurs du manifeste pour un cinéma de libération dans le Tiers Monde Fernando Solanas et Octavio Getino placent l’anti-impérialisme au service de la vie même, avant l’art; il s’agit de « dissoudre l’esthétique dans la vie sociale, telle sont… les sources à partir desquelles, comme aurait dit [Frantz] Fanon, la décolonisation sera possible. » Tel que Dziga Vertov l’exhorte : « NOUS croyons que le temps est proche »!

Bien que les états de conscience altérés évoquent initialement des expériences subjectives, ces modes sont profondément relationnels. Nous espérons nous appuyer sur les approches récentes des études Noires et Autochtones, des études queer et trans, et d’autres perspectives décoloniales, de manière à adresser les états altérés sous un angle intersectionnel. Ainsi, nous invitons des contributions des études cinématographiques et médiatiques, des études en culture visuelle, et tout autre domaine qui adresse les états altérés. En plus des présentations traditionnelles, nous accueillons les essais vidéographiques et autres explorations écrites et artistiques de notre thème.

Conférencière d’honneur: Kemi Adeyemi (Université de Washington)

Les sujets peuvent inclure, mais ne sont pas limités à :

  • L’abstraction et l’expérimentation
  • L’abjection
  • La liminalité, les seuils
  • Les études noires et l’ontologie
  • Conscience et simulation
  • Les devenirs Deleuzoguattarien
  • La surveillance et la gouvernementalité
  • Genres et sexualités
  • (Im)possibilité.e.s
  • Autochtonie et futurismes autochtones
  • La santé mentale dans les images en mouvements
  • Le mysticisme et l’occulte
  • Le bruit, l’(in)cohérence et les affects soniques
  • Perception et hallucination
  • La relationalité et l’enchevêtrement
  • Le cinéma révolutionnaire
  • Substances, psychédéliques, et impulsions répétitives
  • La transgression des limites entre l’intérieur et l’extérieur, entre soi et autre, sujet et objet

Nous acceptons des soumissions francophones et anglophones de chercheurs indépendants et d’étudiants aux cycles supérieurs de partout dans le monde. Les parties intéressées doivent soumettre un bref résumé (de 300 à 500 mots), ainsi qu’une brève biographie de 50 à 100 mots à d’ici le 17 décembre 2021.

Les soumissions doivent inclure les informations suivantes :

  • Votre nom
  • Niveau de scolarité et nom de l’institution d’attache (si applicable)
  • Titre de la présentation
  • Résumé et biographie
  • Une courte bibliographie (3 à 5 titres)

A message from the organizers:

It’s our pleasure to announce the schedule for the 23rd Annual FSAC Graduate Student Colloquium. This year’s theme is ‘Spectre.’ It will be hosted by the University of Toronto’s Cinema Studies Institute and take place between Friday, January 29th and Saturday, January 30th. Dr. David Marriott from Penn State University will deliver the keynote presentation at 6:15 pm on Friday, January 29th. The colloquium will be taking place on Zoom Webinar and all are invited. Here are the log-in details:

Day One:
Zoom ID: 831 8161 4061
Passcode: spectre21

Day Two:
Zoom ID: 857 1310 6724
Passcode: spectre21

Please see the attached schedule for more details.

Additionally, there will be a virtual Zoom afterparty on Saturday, January 30th at 8:00pm. Log-in information will be shared during the colloquium. 

We hope to see you there! 



La version française ci-dessous

23rd Annual Film Studies Association of Canada Graduate Colloquium University of Toronto Cinema Studies Institute
Friday January 29 – Saturday January 30, 2021 (Virtual)
Call for papers: “SPECTRE”

Keynote address by Dr. David Marriott, Penn State University

The year 2020 has been shrouded by the spectre of crises, from the novel coronavirus, to ongoing racial injustice and colonial violence. The impact of this year has sent reverberations through the ways in which we gather, research, think, make and consume art, and indeed, how we survive. The spectral seems to be an apt mode for contemplating the conditions that hover over our times, and that continue to haunt the cinema and its study.

Film scholars have long tracked the ghostliness of the cinematic. For example, Katherine Groo asks us to consider the absence and decay of film and its celluloid im/materiality as a part of its ontology. In Zoological Surrealism, James Cahill attests to the power of film to reanimate the dead, while Canadian scholar Andrew Burke’s recent work looks at how contemporary Canadian film is haunted by traces of the 1970s. The onscreen body, too, persists as a phantasmagoric figure. For Maggie Hennefeld, the spectral encapsulates the transfiguring, miniaturising embodiment of early film comediennes, while Eliza Steinbock calls upon the “shimmer” to envision the illusory, astonishing visibility of both cinema and transgender embodiment. Cinema’s legacy of racial imagery also continues to haunt its image-making practices; in Black Skin, White Masks, Frantz Fanon famously wrote: “I can’t go to the movies without encountering myself. I wait for myself. Just before the film starts, I wait for myself,” a passage taken up by Kara Keeling in her article “In the Interval.” The spectre of film’s racial imaginary also cannot be separated from the continued presence of systemic anti-Black violence, a spectre that is all too real.

Finally, since Derrida conceptualized the neologism “hauntology” in his 1993 Spectres of Marx, many scholars, like those aforementioned and beyond the discipline of media studies, have engaged with spectres. Indeed, this conference also asks, in what ways are we haunted by the spectre of spectre? How is the spectral contained and rendered by filmic practices, or by film’s ontology? How does the spectral inhabit onscreen bodies and map across visions of marginalisation, terror, and violence? What is the cinema continuously haunted by, and how does this haunting rear its head?

Sample topics may include but are not limited to:

  • The paranormal and ghostliness
  • Systemic violence/legacies of violence
  • Im/materiality, un/reality, absence/presence
  • Dis/embodiment
  • Repetition and temporality
  • Memory, trauma, loss, fear, anxiety
  • Surface
  • Derrida/hauntology
  • Legacies of film history and historic film scholarship/methods

Interested graduate students must submit a brief abstract (300 to 500 words) as a .PDF file, in English or French, by Monday, December 7th, 2020, to:

Submissions should include the following information:

  • Your name
  • Level of study
  • Name of your University
  • Title of your presentation
  • Abstract
  • Short bibliography

Stay updated:
Follow the U of T Cinema Studies Graduate Student Union on 
FacebookTwitter, and Instagram. 



L’année 2020 a été enveloppée par le spectre de différentes crises, du coronavirus aux injustices raciales et violences coloniales. Cette année a des répercussions sur nos façons de nous rassembler, de faire de la recherche, de penser, de faire et de consommer de l’art, et bien sûr, sur nos façons de survivre. Le spectral semble être un mode adéquat pour contempler les conditions qui planent au-dessus de notre époque, et qui continuent à hanter le cinéma et son étude.

Les chercheurs en Études Cinématographiques ont depuis longtemps adressé l’aspect fantomatique du cinématographique. Par exemple, Katherine Groo nous amène à considérer l’absence et la désintégration des films ainsi que l’im/matérialité du celluloïd comme partie intégrante de leur ontologie. Dans Zoological Surrealism, James Cahill affirme le pouvoir filmique de réanimer les morts, alors que le travail récent du chercheur canadien Andrew Burke s’intéresse à la façon dont les films contemporains canadiens sont hantés par les traces des années 70. Le corps filmé persiste lui aussi en tant que figure fantasmagorique. Pour Maggie Hennefeld, le spectral encapsule la corporalité transfigurée et miniaturisée des comédiennes des films des premiers temps, alors que Eliza Steinbock abord la notion de « shimmer » pour explorer l’illusoire et stupéfiante visibilité de la corporalité à la fois cinématographique et transgenre. L’héritage d’imagerie raciale du cinéma continue également de hanter ses pratiques imageantes; on se souvient de ce passage, dans Peau Noire, Masques Blancs, où Frantz Fanon déclare : « Impossible d’aller au cinéma sans me rencontrer. Je m’attends. À l’entracte, juste avant le film, je m’attends », un passage que reprend Kara Keeling dans son article « In the interval. » Le spectre de l’imaginaire racial du cinéma ne peut également se séparer de la présence continuelle de la violence systémique anti-noire, un spectre beaucoup trop réel.

Finalement, depuis que Derrida a conceptualisé le néologisme « hantologie » dans son livre de 1993 Spectres de Marx, plusieurs chercheurs, autant ceux mentionnés qu’au- delà des études médiatiques, ont engagé la notion de spectres. Ainsi, cette conférence demande également de quelle manière nous sommes hantés par le spectre du spectre? Comment le spectral est-il contenu et rendu par l’ontologie et les pratiques filmiques? Comment est-ce que le spectral habite les corps filmés, et comment est-ce qu’il cartographie au travers des imageries de marginalisation, de terreur et de violence? De quoi le cinéma est-il constamment hanté, et quelles sont les nouvelles actualisations de cette hantise?

Les sujets peuvent inclures, mais ne sont pas limités à :

  • Le paranormal et le fantomatique
  • La violence systémique/l’héritage violent
  • L’im/matérialité, l’ir/réalité, l’absence/la présence
  • L’in/corporalité
  • La répétition et la temporalité
  • La mémoire, le traumatisme, la perte, la peur, l’anxiété
  • La surface
  • Derrida/Hantologie
  • L’héritage de l’histoire cinématographique; l’étude et méthode historique

Soumissions :

Les parties intéressées doivent soumettre un bref résumé (de 300 à 500 mots) en .PDF, en anglais ou en français, d’ici le 7 décembre 2020 à l’adresse courrielle suivante :

Les soumissions doivent inclure les informations suivantes :

  • Votre nom
  • Niveau de scolarité
  • Institution d’attache
  • Titre de votre présentation
  • Votre résumé
  • Une courte bibliographie

Restez informé : Suivez-nous sur FacebookTwitter, and Instagram.


La version française ci-dessous

22nd Annual FSAC Graduate Colloquium
York University, Friday February 28 – Sunday March 1st, 2020
Call for papers: “Activity”

Keynote address by Dr. Brenda Longfellow, York University

Call for Papers: Activity

Cinema is an active agent: the mutual and reciprocal relationship between moving images and their spectators, the very act of making cinema, is a direct action. Packaged within this making is the action on the screen, the action of the technology capturing and then displaying the cinematic object, and the actions of the spectator. These activities extend well beyond screenings, into production, archiving, theorizing, and distributing; cinema is a collaborative, communal, multi-technological process of creation that spreads itself across vast networks of spectatorship, reception, distribution, imaginaries, and/or activisms. Such cases are woven into the medium’s history: from early Soviet montage articulating class struggle, to the Brechtian cinemas of the late French New Wave, to second wave feminist consciousness raising, and to contemporary practises in interactive documentary and new media, cinema has routinely been considered and used in service of a political modality. In 2020, cinema’s activities are global, streaming over the internet, and able to represent and shape the great forces of our current moment, including, but not limited to, climate catastrophe, mass migration, global civil war, economies of precarious labour, and the ongoing project of settler colonialism. These forces manifest simultaneously as hyper-local, ingrained in the communities their making emerges from, sites where both positive and negative consequences are most intimately felt.

The 22nd Annual FSAC Graduate Colloquium at York University coincides with the Cinema and Media Arts Department’s 50th anniversary. This department was built on a foundation of political praxis, in response to and continuation of this history of a cinema which is inherently political and active. It was in this spirit that in 1985 a collective of York University film professors—including Robin Wood, Andrew Britton, Scott Forsyth, among other notable scholars, critics, and filmmakers—founded CineAction, a self-described “magazine of radical film criticism and theory”. In her editorial contribution to CineAction’s final issue in 2016, co-founder Florence Jacobowitz conceives of the magazine’s approach to film criticism as a kind of political activity, recalling its founding “out of necessity, as a magazine that would publish politicized readings and where theory could be tested against critical practice (instead of simply imposed)”. Consequently, this year we ask for an engagement with the idea of activity and activism in film theory, history, and practise. How is cinema used as a tool of direct action? How does form foster political engagement?

Possible topics include, but are not limited to:
Medium specificity and activism
Cinema and direct action
New media(s)
Worldbuilding and futurisms—imaginations of the world as otherwise
Queer and trans cinemas
Research creation
Public and participatory art practices—artists intervening in the public sphere
Counterpublic spheres
Community media histories
Activist film festivals
Archival interventions
Media and pedagogy
The Anthropocene

Interested students should submit an abstract of no more than 300-500 words through the following form by Friday, January 3rd:


22e Colloque annuel de l’ACÉC pour les étudiant-e-s des cycles supérieurs
Université York, Vendredi, 28 février – Dimanche, 1er mars 2020
Appel à conférence : « Activité »

Conférence liminaire : Prof. Brenda Longfellow, Université York

Appel à communication : Activité

Le cinéma est un agent actif : la relation mutuelle et réciproque entre les images en mouvement et leurs spectateurs, l’acte de faire du cinéma, est une action directe. Dans toute cette création se retrouve l’activité que l’on retrouve à l’écran, l’activité derrière la technologie de captation, ainsi que la monstration de l’objet cinématographique, en plus des activités spectatorielles. Ces activités se prolongent bien au-delà de l’écran, dans la production, l’archivage, la théorisation et la distribution ; le cinéma est collaboratif, communal, un procédé de création pluritechnologique qui s’étend jusqu’aux vastes réseaux spectatoriels, de réception, de distribution, de l’imagination, et/ou d’activisme. De tels exemples se tissent dans l’histoire de ce médium : des débuts du montage de l’avant-garde soviétique qui traitaient de la lutte des classes, des théories brechtiennes associées à la nouvelle vague française, de la deuxième vague féministe et de la sensibilisation, jusqu’aux pratiques contemporaines dans le documentaire interactif et des nouveaux médias, le cinéma a toujours été systématiquement considéré et utilisé au service d’une modalité politique. En 2020, les activités cinématographiques sont mondiales, diffusées en continu sur Internet, tout en ayant la possibilité de représenter et de façonner les grandes forces du moment y compris, mais sans s’y limiter, la catastrophe environnementale, l’immigration massive, la guerre civile mondiale, l’économie des emplois précaires, ainsi que les colonies de peuplement actuelles. Ces influences se manifestent simultanément d’un point de vue hyperlocal, enracinées dans les communautés desquelles elles émergent, dont les conséquences, qu’elles soient positives ou négatives, sont intimement liées.

Le 22e Colloque annuel de l’ACÉC pour les étudiants des cycles supérieurs à l’Université York coïncide avec le 50e anniversaire de son département de cinéma et d’arts médiatiques. Ce département a été créé sur des bases de la praxis politique, en réponse et en prolongement de cette histoire d’un cinéma fondamentalement politique et actif. C’était dans cet esprit qu’en 1985, un collectif de professeurs en cinéma de l’Université York incluant Robin Wood, Andrew Britton, Scott Forsyth, avec d’autres spécialistes, critiques et cinéastes, a fondé CineAction, un magazine décrit comme traitant de la critique et de la théorie cinématographique radical. Dans sa contribution éditoriale pour l’ultime numéro de CineAction en 2016, la cofondatrice Florence Jacobowitz mentionne que l’approche envers la critique cinématographique a été conçue comme une sorte d’activité politique, se remémorant ces fondements comme une nécessité en tant que magazine qui publierait des textes politisés où la théorie pourrait être mise à l’épreuve contre la pratique analytique (au lieu de simplement l’imposer). Nous demandons donc, par conséquent, cette année de faire appel à un engagement avec cette idée de l’activité et de l’activisme associée avec la théorie du cinéma, l’histoire et la pratique. Comment le cinéma est-il utilisé en tant qu’outil d’une action directe ? Comment entretenir la promotion d’un engagement politique ?

Les propositions d’article peuvent aborder les sujets suivants, sans s’y limiter :
Spécificité et militantisme du médium
Cinéma et action directe
Nouveau(x) média(s)
Construction d’univers et futurisme – imagination d’autres mondes
Cinéma gai et transgenre
Pratiques artistiques publiques ou participatives – artistes intervenant dans la sphère publique
Sphères contre-publiques
Histoire des médias communautaires
Festivals de films activistes
Interventions archivistiques
Média et pédagogie

Les étudiant-e-s intéressé-e-s sont prié-e-s de faire parvenir une proposition comprenant entre 300 et 500 mots en suivant les instructions suivantes d’ici le vendredi 3 janvier 2020 :


Call for Proposals

The 2020 Carleton University Film Studies Graduate Student Colloquium will be held on Friday, March 6 and Saturday, March 7, 2020, in Ottawa. The organizing committee is excited to announce a call for proposals from students across Canada and studying at the graduate level in film and/or media studies. The conference is not strictly organized around an essential theme and as such we are seeking papers that encompass a broad number of topics within the discipline(s).

This colloquium is sponsored by the Film Studies program, located in the School for Studies in Art and Culture at Carleton University.

The colloquium’s keynote speaker is Susan Lord, a current professor in the Department of Film and Media at Queen’s University in Kingston, Ontario. She is interested in feminism, critical theory, and vulnerable media. Currently she is the Director of the Vulnerable Media Lab, and archival project that collects media from groups such as women and Indigenous peoples. Her Keynote Address will occur on the evening of March 6.

Please submit proposals of no more than 300-500 words, for a presentation of twenty minutes, on any topic in film and/or media studies. Include current or past university or institutional affiliation, degree level (MA or PhD), a brief description of research interests (no more than 50 words), and contact email address. Submit proposals, as an email attachment, in a Word document (or Word-compatible file), to:

The deadline for submissions is Monday, January 6, 2020.

We thank you for your submissions and look forward to your participation in this Colloquium.

Kind regards,

The 2020 Student Colloquium Organizing Committee


21st Annual Graduate Colloquium / 21ème colloque des cycles supérieurs

Carleton University, Ottawa, Mar. 1-3, 2019 / Université Carleton à Ottawa, 1-3 mars 2019

Call for Proposals / Appel à communications

***la version française suit***

The 2019 FSAC Graduate Student Colloquium will be hosted by Carleton University from Friday March 1 to Sunday March 3, on the Carleton University campus in Ottawa. The organising committee is excited to announce a call for proposals from students across Canada and and abroad, studying at the graduate level in film and/or media studies. The conference is not strictly organized around an essential theme and as such we are seeking papers that encompass a broad number of topics within the discipline(s).

This Colloquium is sponsored by the Film Studies Association of Canada. Support is also provided by the Film Studies program, in the School for Studies in Art and Culture, at Carleton University.

This year the Canadian Journal of Film Studies will co-sponsor the Colloquium, and will host a special panel discussion on the topic of academic publishing.

Please submit proposals of no more than 300-500 words, for a presentation of twenty minutes, on any topic in film and/or media studies. Include current or past university or institutional affilliation, degree level (MA or PhD), a brief description of research interests (no more than 50 words), and contact email address. Submit proposals, as an email attachment, in a Word document (or Word-compatible file), to:

The deadline for submissions is Friday, Nov. 30, 2018.

We thank you for your submissions and look forward to your participation in this Colloquium.  

* * *

Le colloque des cycles supérieurs de l’ACÉC 2019 sera organisé par l’Université Carleton du vendredi 1er  mars au dimanche 3 mars, sur le campus de l’Université Carleton à Ottawa. Le comité organisateur est heureux d’annoncer un appel à communications pour les étudiant.e.s et de l’étranger qui étudient aux cycles supérieurs dans la discipline des études cinématographiques ou médiatiques. La conférence ne porte pas sur une thématique en particulier. Nous sommes plutôt à la recherche de propositions sur les différents sujets et approches afférant à nos disciplines.

Le colloque sera coordonné et soutenu par le programme d’études cinématographiques de l’École d’études de l’art et de la culture de l’Université Carleton, avec l’aide de l’Association canadienne d’études cinématographiques.

Pour cette édition, la Revue canadienne de cinématographique fournira un soutien particulier pour le Colloque, et organisera une table ronde spéciale sur le thème de la publication académique.

Les étudiant.e.s intéressé.e.s sont prié.e.s d’envoyer un résumé d’environ 300 à 500 mots pour une présentation de 20 minutes portant sur un sujet d’étude cinématographique ou médiatique. Veuillez inclure votre affiliation universitaire ou institutionnelle, votre niveau universitaire (MA ou PhD), une brève description de vos intérêts de recherche (environ 50 mots) ainsi que votre adresse courriel lors de votre envoie. Insérez votre résumé en pièce jointe au courriel en format Word (ou un fichier compatible avec Word) à l’adresse:

Veuillez envoyer vos résumés avant le vendredi 30 novembre 2018.

Nous vous remercions pour vos contributions et votre participation à ce colloque.


Call for paper / Appel à communications
20th FSAC Grad Colloquium / 20e colloque des cycles supérieurs de l’ACÉC 

February 15-17 2018 at the University of Toronto’s Cinema Studies Institute
Du 15 au 17 février 2018 au Cinema Studies Institute de l’Université de Toronto

Deadline : December 20, 2017
Échéance : 20 décembre 2017

*la version française suit 

CFP: “Vanishing Points”

From classical film theory to present discourse, cinema and other screen media are most often discussed, philosophized, and thought as visual objects, texts that appeal to our capacity to interpret visual material. From Bazin’s argument for the cinematic image’s capacity to present the world anew to the viewer’s eyes, feminist psychoanalytic film theory’s emphasis on the gaze as a marker of sexual difference, to colloquial terms like “picture show” and “moving images,” the message has remained clear: what you see is not only what you get, but what is worthy of discussion. This is not to say that such discourses are not important (of course they are, and will continue to be so), but simply that the hidden and the invisible demand our attention. What is out of sight should never remain out of mind.

Certain discourses, subjectivities, bodies, and even formal cinematic elements have been pushed to the fringes of thought in film studies—forced to the point of vanishing. This conference calls for papers exploring these vanished objects and experiences; “Vanishing Points” aims to both direct attention towards this experience of vanishing, and argue for changes in thought and discourse that would work towards un-vanishing the vanished. Canada, for instance, has a history of vanishing its own past of colonization to promote an image of multiculturalism; this past is a vanishing point, often remaining unrepresented in film and other media, and therefore pushed out of the visible realm.

The “Vanishing Points” conference and UofT’s Cinema Studies Graduate Student Union journal calls for papers aiming to answer questions like: “How might we de-centre vision in film and media studies? Can vision be de-centred in the discipline? What is invisible in our disciplines, what has been vanished?”; “What roles do our social, economic, and political institutions and systems play in structuring and populating zones of invisibility?”; “What relationships do certain bodies possess with the visible? How are they made visible/invisible and what are the implications of this play of visuality?”; “How might the concept of‘vanishing’ inform and shape future discourses on subjectivity, representation, and presence in film and screen media?”. In short, “Vanishing Points” wants to uncover any topics, subjects, and questions that have been “vanished” through dominant rhetoric. Through setting our sights on vanishing points, this FSAC Graduate Colloquium hopes to broaden film and media studies discourse to include more than the visible—to include the perpetual presence of the vanished.

Possible topics include:

  • Cinema in/of the Anthropocene
  • The body (technological, human, non-human, etc.)
  • The animal/animality
  • Gender and new media
  • Critical race theory
  • Sexuality studies
  • Film philosophy/philosophy of film
  • Digital media art
  • Porn studies
  • Cinesexuality
  • Transnational cinema
  • Post- and neo-colonial studies
  • Screendance
  • Spectatorship
  • Affect theory
  • Cinema and the senses
  • Ethics and cinema
  • Sound studies
  • Indigenous art and identity
  • Social media studies
  • The screen and the everyday



This colloquium is open to graduate students from film studies and similar disciplines exclusively. Interested students must submit a brief abstract (300 to 500 words), in English or

French, by December 20, 2017, at the following address:

Graduate Journal:

The Cinema Studies Institute is also starting a graduate journal. We will take some of the graduate colloquium submissions as journal submissions; they will be considered for publication following the graduate colloquium. The selection, editing, and publication process is expected to take place from May-August, 2018. When submitting your abstract, please note whether you would like to be considered for the journal in addition to the conference, the conference only, or the journal only.

Submissions should include the

following information

  • Your name
  • Level of study
  • Name of your University
  • Title of your presentation
  • Abstract
  • Short bibliography
  • Whether you would like to be considered for the CSI’s graduate journal

Following the analysis of submitted proposals, the committee will communicate their decisions by January 9th, 2018.




Appel à communications: « Points de fuite »

Des théories classiques du cinéma au présent discours, le cinéma et autres médias écraniques sont généralement discutés, critiqué et pensé en tant qu’objets visuels, c’est-à-dire en tant que textes qui requiert une capacité d’interprétation de l’image et de ses composantes. Du cinéma qui aurait la capacité d’offrir une image renouvelée du monde au regard du spectateur chez Bazin, aux termes familiers d’« images en mouvement » ou de « vues animées », sans oublier l’importance du regard en tant que marqueur de différenciation sexuelle pour plusieurs courants de théories du cinéma à tendance psychanalytique, la formule perdure : la vue est réifiée et seule candidate possible à une discussion digne de ce nom. Ce constat n’en dénigre d’ailleurs pas moins son importance : il ne fait que souligner le point de fuite que constituent d’autres composantes telles que l’invisible et l’éphémère à son égard. Ce qui échappe au regard ne devrait jamais échapper à l’esprit.

Certains discours, certaines subjectivités, certains corps et même certains éléments formels du cinéma forment les points de fuite nécessaires à l’uniformité d’une discipline. Cette conférence lance un appel à des contributions sensibles à ces objets et expériences évanescents ; l’intention de « Points de fuite » est donc de se soucier de cette expérience du fuyant de manière à amener des nouvelles pistes de réflexions qui viseront à le ramener au premier plan. Les récentes célébrations du 150e anniversaire du Canada ne sont pas sans nous rappeler le point de fuite récurrent que représente un passé colonisateur, ici essentiel à l’image consolidée du multiculturalisme canadien; ce passé est un point de fuite, poussé en marge du visible par sa sous-représentation au cinéma et dans d’autres médias.

Le colloque « Points de fuite » ainsi que le journal des cycles supérieurs de la CSI propose donc de s’intéresser aux questionnements suivants : « Comment dé-centré le visible en études cinématographiques et est-ce une avenue envisageable ? Qu’est-ce qui est nécessairement invisible dans notre discipline en tant que point de fuite ?» ; « Quels rôles jouent les institutions sociales, économiques et politiques dans la formation de ces zones d’invisibilités? » ; « Quelles sont les relations que certains corps possèdent avec le visible ? Comment sont-elles rendues visibles ou invisibles et quelles sont les conséquences de cette malléabilité ? ; « Comment est-ce que le concept de 1’ « évanescent » peut informer et contribuer à modeler certains discours futurs sur la subjectivité, la représentation et la présence en ce qui a trait aux médias écraniques ? En résumé, « Points de fuites » désir ramener au premier plan ces thèmes, sujet et interrogations qui organisent les points de fuites des discours dominants. C’est par l’observation de ces points de fuite que le colloque des cycles supérieurs de l’ACÉC espère élargir le discours des études cinématographiques de manière à inclure plus que le visible – de manière à inclure la présence perpétuelle de l’évanescent.

Des présentations abordant les sujets suivants sont encouragées :

  • Le cinéma de / dans l’Anthropocène
  • Le corps (technologique, humain, non humain, etc.)
  • L’animal / l’animalité
  • Le genre et les nouveaux médias Théories critiques de la race
  • Sexuality studies
  • Philosophie du cinéma / Philosophie d’après le cinéma
  • Art numérique
  • Porn studies
  • Cine sexuality
  • Cinéma transnational
  • Études post- et néo- coloniales
  • Screendance
  • Études spectatoriales
  • Théorie de l’affect
  • Le cinéma et les sens
  • Le cinéma et l’éthique
  • Études sonores
  • Identité et art autochtone
  • Études des médias sociaux
  • L’écran et l’ordinaire


Conditions :

Colloque :

Ce colloque s’adresse exclusivement aux étudiants/es de deuxième et de troisième cycle provenant d’études cinématographiques ou d’autres disciplines connexes. Les étudiants/es intéressés/es sont priés/es d’envoyer un résumé d’environ 300 à 500 mots, en français ou en anglais, au plus tard le 20 décembre 2017 à l’adresse :

Journal :

La Cinema Studies Institute démarre également un projet de journal des cycles supérieurs. Nous considérerons certaines des propositions du colloque pour une publication future. Le processus de sélection, d’élaboration et de publication aura lieu durant les mois de mai à août 2018. Lorsque vous soumettez votre candidature, prière de spécifier si vous désirez que celle-ci soit considérée pour le journal et le colloque, que pour le colloque ou que pour le journal.

Dans le courriel de soumission, les étudiants/es sont priés/es d’inclure :

  • Leur nom
  • Le programme de maîtrise ou de doctorat dans lequel ils/elles sont inscrits/es
  • Leur institution universitaire
  • Le titre de leur présentation
  • Le résumé de leur présentation
  • Une bibliographique sommaire
  •  Si la présentation doit être considérée pour publication dans le journal des cycles supérieurs de la CSI

Vous devriez recevoir la réponse du comité scientifique d’ici le 9 janvier 2018.



Appel à communications / Call for paper
19e colloque des cycles supérieurs de l’ACÉC / 19th FSAC Grad Colloquium

Du 15 au 18 février 2017 à l’Université de Montréal
February 15-18 2017 at the University of Montréal

Échéance : 20 novembre 2016
Deadline : November 20, 2016

Les hauts, les bas et les entre-deux du cinéma : naissance et mort des segmentations en études cinématographiques 

English version will follow

Voilà près de quinze ans que chercheurs, journalistes et autres commentateurs réfléchissent sur la prétendue « révolution numérique » et les bouleversements qu’elle a entraînés au niveau de la production, de la distribution et de l’expérience cinématographiques. De cette polarité fondatrice entre le numérique et l’analogique est apparu un ensemble d’oppositions charnières qui façonnent le discours actuel. En effet, les nouvelles plateformes de diffusion et la démocratisation de certains moyens de production ont mis en relief plusieurs « binômes » qui orientent largement — à tort ou à raison — notre compréhension : cinéma/média, spectateur ordinaire/cinéphile/fan, amateur/professionnel, culture savante/culture participatoire, local/global, etc. Toutes ces oppositions ont trouvé voix et racines à travers les différentes approches disciplinaires du cinéma : culturel, esthétique, politique, historiographique, etc.

Apparues entre autres pour faire sens d’un contexte médiatique en pleine mutation, ces oppositions doivent être investiguées de nouveau, afin d’en évaluer le bien-fondé et la portée épistémologique. En s’intéressant non pas tant aux traits hétérogènes et aux disparités qu’aux zones de négociation entre ces concepts, cette édition du colloque s’oriente sur l’étude spécifique des pratiques, des objets et des modes de pensée caractérisés par l’hybridité ou l’intersectionnalité. Il s’agira ainsi non seulement d’outrepasser certaines dichotomies tenaces pour mettre en lumière la diversité et la complexité des pratiques médiatiques actuelles, mais aussi de comprendre le rôle du cinéma dans une « écologie audiovisuelle » qui semble vouloir le redéfinir complètement.

Des présentations abordant les sujets suivants (mais pas seulement) sont encouragées :

  • Les recoupements entre cinéma et d’autres médias (jeux vidéo, réalité virtuelle, littérature, etc.)
  • Le retour à une esthétique ou des moyens de production analogiques dans ou autour des productions numériques et ses effets tant sur la production, l’esthétique, ou le spectateur.
  • Les définitions et redéfinitions de métiers liés à la production cinématographique.
  • Les plateformes de diffusion de contenu vidéo sur le web et leurs effets sur la production amateure et professionnelle, ainsi que leur influence sur les spectateurs (cinéphiles et fans).
  • La production et la consommation d’œuvres de production locales/globales/« glocales »
  • L’intersectionnalité entre la culture savante et de la culture populaire (au niveau de la production du savoir, de la consécration d’œuvres, etc.)
  • Les stratégies d’appropriation corporatiste de contenus audiovisuels produits de manière indépendante ou semi-indépendante
  • Festivals de film, lieux de visionnements de films, etc.
  • Transmédialité des récits

*** Veuillez noter que toutes les propositions abordant d’autres questions que celles énumérées plus haut et/ou réfléchissant sur un autre sujet que celui proposé dans cet appel à communications sont également bienvenues, et sont invitées à être soumises à notre comité scientifique.

Conditions d’admissibilité :
Ce colloque s’adresse exclusivement aux étudiants/es de deuxième et de troisième cycle provenant d’études cinématographiques ou d’autres disciplines connexes. Les étudiants/es intéressés/es sont priés/es d’envoyer un résumé d’environ 300 et 500 mots, en français ou en anglais, au plus tard le 20 novembre 2016 à l’adresse : Dans le courriel de soumission, les étudiants/es sont également priés/es d’inclure :

  • Leur nom
  • Le programme de maîtrise ou de doctorat dans lequel ils/elles sont inscrits/es
  • Leur institution universitaire
  • Le titre provisoire de leur conférence
  • Le résumé de leur présentation
  • Une bibliographie sommaire

Vous devriez recevoir la réponse du comité scientifique d’ici le 15 décembre 2016.

High, Low and Everything in Between:
The Birth and Death of Labels in Film Studies

For some fifteen years now, researchers, journalists and other commentators have discussed the so-called “digital revolution” and the impact it may have had on the production, distribution and experience of cinema. From the initial cleavage between analogue and digital, a set of pivotal oppositions have developed that effectively mould contemporary discourses. New distribution platforms and the democratization of certain production tools have given rise to a number of binary oppositions that often direct—for better or for worst—our understanding: cinema/media, spectator/cinephile/fan, amateur/professional, academic culture/participatory culture, local/global, etc. Every disciplinary approach—whether it is cultural, aesthetic, political, historiographical, etc.—has taken up these pairs of concepts.

These oppositions, which have appeared among other reasons to make sense of a media landscape in the midst of transformation, merit further investigation so that their value and epistemological reach may be reevaluated. By focusing on the zones of transfers and negotiations between these concepts rather than on their differences or unique traits, the 2017 edition of the FSAC graduate colloquium aims to shed some light on the study of practices, objects or modes of thought that are characterized by their hybridity or intersectionality. The goal, therefore, will not only be to go beyond some of these entrenched dichotomies to showcase the diversity and complexity of contemporary media practices, but also to strive to understand the role of cinema within an “audiovisual ecology” that seems to try to change it completely.

Submissions can include, but are not limited to topics such as:

  • Interactions between cinema and other media (video games, virtual reality, literature, etc.)
  • The return to analogue aesthetics or analogue modes of production within digital productions, and its effects on production, aesthetic and the spectator.
  • Definitions and redefinitions of the trades and professions of cinema production
  • Web content distribution platforms and their impact on amateur and professional productions, as well as their influence on spectators (cinephiles and fans)
  • Producing and consuming local, global and global media content
  • Intersections of academic and popular culture (in regards to knowledge creation and to the recognition of media objects, etc.)
  • Corporate strategies for acquiring independent or semi-independent audiovisual production
  • Film festivals, spaces of exhibition, etc.
  • Transmedia narratives

*** Please note that we also welcome proposals that focus on questions other than those enumerated here and/or deal with other topics altogether than the one proposed in this call for papers.

This colloquium is open to graduate students from film studies and similar disciplines exclusively. Interested students must submit a brief abstract (300 to 500 words), in English or French, by November 20, 2016, at the following address: Submissions should include the following information:

  • Your name
  • Level of study
  • Name of your University
  • Title of your presentation
  • Abstract
  • Short bibliography

Following the analysis of submitted proposals, the scientific committee will communicate their decision by December 15, 2016.